Genero Punk

Punk

El punk, también llamado punk rock, es un género musical que emergió a mediados de los años 1970. Este género se caracteriza en la industria musical por su actitud independiente y contracultural. En sus inicios, el punk era una música muy simple y cruda, a veces descuidada: un tipo de rock sencillo, con melodías agresivas de duraciones cortas, sonidos de guitarras amplificadas poco controlados y ruidosos cargados de mucha distorsión, pocos arreglos e instrumentos y, por lo general, de compases y tempos rápidos.

Las líneas de guitarra se caracterizan por su sencillez y la crudeza del sonido amplificado y muy distorsionado, generalmente creando un ambiente sonoro ruidoso o agresivo heredado del garage rock. El bajo, en ocasiones, sigue solo la línea del acorde y no busca adornar con octavas ni arreglos la melodía, pero, por lo general, en las primeras formaciones de punk (cosa que se repetiría más adelante con las bandas de pospunk) el bajo presenta arreglos sencillos pero constantes, luciendo, en muchos de los casos, más que la guitarra. La batería por su parte lleva un tempo acelerado, con ritmos sencillos de rock and roll. Las voces varían desde expresiones fuertes e incluso violentas o desgarradas, mientras las letras se caracterizan por tratar temas como los problemas políticos y sociales (llevando con esto un mensaje de conciencia que se extiende, tratando de denunciar por medio de la música este tipo de problemas e incluso se llegan a tratar temas como el no a las drogas, amor, pacifismo, etc.). Aunque desde finales de los años 1970 e incluso antes (a excepción de la lírica) estos aspectos fueron cambiando gracias a que las bandas que se formaron en ese tiempo (por general bandas del estilo hardcore y otras bandas más tradicionalistas) fueron agregando cambios de acorde muy rápidos en la guitarra, arreglos (para mayor complejidad) y solos de guitarra (heredados directamente del rock and roll y rockabilly), en el bajo se introdujeron los arreglos con octava, y la batería aceleraba más el ritmo y el tempo, las voces eran muchas fuertes.

El punk rock explotó en la corriente musical a finales de los años 70 con bandas británicas como Sex Pistols, The Clash y The Damned, y bandas estadounidenses como Ramones, The Dead Boys y Blondie. Más adelante en la década de los 80, dentro de la escena independiente surgirían dos movimientos dentro del punk rock que se caracterizarían por seguir las ideas de la ética hazlo tú mismo, y con una fórmula musical mucho más agresiva, rápida, y veloz; en Estados Unidos el hardcore (con bandas como Black Flag, Minor Threat, Dead Kennedys, Circle Jerks, Bad Brains, etc, quienes ayudaron e influenciaron a músicos que más tarde conformarían la escena hardcore melódica, skate punk, nardcore e incluso straight edge/youth crew) y en el Reino Unido el UK '82 (representado por The Exploited, GBH, Chaos UK, Discharge, Varukers, estos últimos dos dieron continuación e influencia a formas más extremas del punk como d-beat, crust punk y grindcore). Muchos músicos influenciados por el punk rock (pero con distintos intereses musicales) más tarde formarían bandas de pospunk, heavy metal, grunge, emo, noise rock, ska, new wave, rock alternativo y gótico. En los 90, aparece el grunge con bandas como Nirvana; más tarde bandas californianas de skate punk y hardcore melódico seguirían vendiendo millones de discos como Offspring, Rancid y NOFX. A mediados de los 90 el mercado musical promovería a bandas de pop punk como Green Day o Blink-182; asimismo, bandas de punk hardcore y street punk siguieron formándose como The Casualties, Unseen, Blanks 77, Agnostic Front, Violent Society, Restarts, First Step, Battery, Good Clean Fun, entre muchas otras.

Características

La forma originaria del punk era un tipo de rock sencillo y algo ruidoso para expresarse con sus propios medios y conceptos. Entre las primeras bandas musicales representantes del punk están The Ramones, Dead Boys, The Voidoids, Blondie, The Heartbreakers, Tuff Darts, The Cramps, The Misfits, Black Flag, The Gun Club, The Bags, Cherry Vanilla y Wayne County & the Electric Chairs y en el proto-punk The New York Dolls, The Velvet Underground (la banda de Lou Reed), Iggy Pop y The Stooges, MC5, la cantante Patti Smith, Television y The Dictators entre otros, todo esto en Estados Unidos.

En el Reino Unido proliferarían agrupaciones como Sex Pistols, The Clash, The Damned, Buzzcocks, The Adicts, The Vibrators, Generation X, The Pretenders, The Jam, The Stranglers, U.K. Subs, Sham 69 y Adam & the Ants, además de David Bowie, Marc Bolan de T-Rex y The Who entre otros, también bandas y artistas glam fueron quienes influenciaron al punk igual que paralelamente lo hicieron las bandas proto-punk de garage rock de EE.UU.

Ramones se presentaban a sí mismos como banda de rock, sin pretensiones declaradas de mensaje directamente innovador o rompedor salvo en lo musical. Después surgiría la etiqueta punk y Ramones serían considerados los primeros en representarla. Por otro lado había una forma de transgresión, buscando liberarse de los estigmas sociales. Esta rama no daba explicaciones y buscaba incomodar a lo establecido chocando, ofendiendo y molestando al buen gusto, la moral y la tradición. Se buscaba básicamente la provocación a través de demostraciones de transgresión estética o giros de lenguaje contradictorios, absurdos o insolentes. Es el estilo que popularizaron Sex Pistols, relacionado ligeramente al nihilismo y otras formas de escepticismo.

Más adelante, especialmente con la aparición del hardcore punk y marcado por la herencia de la actitud del colectivo Crass, se hizo presente todo un abanico de enfoques de crítica social, posicionamientos políticos y afinidad a campañas de protesta. El ejemplo musical más clásico son Crass y The Clash. La filosofía punk puede resumirse en: "Hazlo tú mismo" o "hazlo a tu manera". Rechaza los dogmas y cuestiona lo establecido. Desprecia las modas y la sociedad de masas (aunque su estética también puede considerarse una moda preestablecida por el punk). En sus canciones, estas bandas expresan un serio descontento con los sistemas e instituciones que organizan y controlan el mundo. En ocasiones también la música sirve de plataforma para propuestas filosóficas e ideológicas.

Durante la década de los 80, el punk en Estados Unidos estuvo permeado de contenidos políticos, principalmente progresistas, en oposición al gobierno conservador de la época. Ejemplos de esta época son las bandas Dead Kennedys y Bad Religion. En Europa, el punk es una música especialmente utilizada como medio de difusión por gente afín a movimientos políticos y sociales outsiders, mayoritariamente de izquierda, aunque existe una corriente de derecha que lo utiliza, siendo criticada y denostada por la mayoría de los movimientos punk.

Historia

A comienzos y mediados de los años 1960, las bandas de garage rock, que son reconocidas como las progenitoras del punk rock, comenzaron a aparecer en diferentes lugares de América del Norte. The Kingsmen, una banda de garage rock de Portland, Oregon, tuvo un éxito con su versión de Louie, Louie de 1963, citada como "el urtext que define al punk rock". El sonido minimalista de muchas bandas de garage rock fue influenciado por el ala más dura de la invasión británica. Los éxitos de The Kinks de 1964, You Really Got Me y All Day and All of the Night, se han descrito como "precursores de todo el género de tres acordes de Ramones; por ejemplo, "I Don't Want You" de 1978, fue puro Kinks".

En 1964, The Who rápidamente progresó desde su sencillo debut, I Can't Explain a My Generation. A pesar de que tuvo poco impacto en las listas estadounidenses, el himno de The Who presagiaba una mezcla más cerebral de ferocidad musical y postura rebelde que caracterizó a gran parte del primer punk rock británico: John Reed describe la aparición de The Clash como una "ajustada bola de energía que recuerda tanto en imagen como en retórica a un joven Pete Townshend con obsesión por la velocidad, ropa pop-art y ambición de escuela de arte".​ The Who y The Small Faces fueron algunos de los pocos viejos roqueros conocidos por los Sex Pistols.

En 1966, el mod ya estaba en declive. Las bandas de garage rock de Estados Unidos comenzaron a perder fuerza en un par de años, pero el sonido crudo y la actitud desconocida de bandas de rock psicodélico como The Seeds presagiaba el estilo de bandas que se conocerían como las figuras arquetípicas del proto-punk.6​

Uno de los antecedentes del estilo punk, y para algunos la primera muestra del género ocurrió en la década de los años 1960 en Perú con la banda Los Saicos formada por jóvenes de 19 años. Aunque la banda ha indicado que ellos solo tocaban rock and roll, aceptan ser llamados los precursores del punk.

Leer más...

Genero Pop

Género Pop

Es un género de música popular que tuvo su origen a finales de los años 1950 como una derivación del tradicional pop, en combinación con otros géneros musicales que estaban de moda en aquel momento.1​2​ Los términos música pop y música popular se usan a menudo de manera indistinta, aunque el segundo tiene un sentido más amplio al dar cabida a otros géneros distintos del pop que se consideren populares.

Como género, la música pop es muy ecléctica, tomando prestados a menudos elementos de otros estilos como el urban, el dance, el rock, la música latina, el rhythm and blues o el folk. Con todo, hay elementos esenciales que definen al pop, como son las canciones de corta a media duración, escritas en un formato básico (a menudo la estructura verso-estribillo), así como el uso habitual de estribillos repetidos, de temas melódicos y ganchos. La instrumentación se compone habitualmente de guitarra, batería, bajo, guitarra eléctrica, teclado, sintetizador, etc.

El Diccionario de la lengua española define «pop» como «un cierto tipo de música ligera y popular derivado de estilos musicales negros y de la música folclórica británica», siendo el término procedente del inglés pop, un acortamiento de popular.

Los autores y estudiosos de música David Hatch y Stephen Millward definieron la música pop como: «un cuerpo de la música, el cual es distinguible de la música popular, el jazz y la música folk».

El término canción pop se registró por primera vez en 1926, usado en el sentido de una pieza musical «que tenga atractivo popular».6​ A partir de la década de 1950, el término «música pop» se ha utilizado para describir un género distinto, destinado a un mercado joven, a menudo caracterizado como una alternativa suave al rock and roll.7​8​ Según el musicólogo T. Warner, «a raíz del auge de los artistas británicos de la conocida como invasión británica, alrededor de 1967, el término fue utilizado cada vez más en oposición al concepto de música rock, para describir una forma musical más comercial, efímera y accesible».

Aunque la música pop es a menudo vista como orientada a las listas de ventas de sencillos, como género no consiste simplemente en la suma de todos los éxitos musicales, que ha contenido siempre canciones procedentes de una variedad de fuentes, entre ellas la música clásica, el jazz o el rock, sino que configura un género con una existencia y desarrollo separados.

Influencias y Desarrollo

A lo largo de su existencia, la música pop ha absorbido influencias de la mayoría de los otros géneros de música popular. El pop de los comienzos se inspiró en la balada sentimental para tomar su forma, tomó del góspel y el soul su uso de las armonías vocales, del jazz, el country y el rock su instrumentación, de la música clásica su orquestación, del dance su tempo, de la música electrónica su acompañamiento, del hip hop elementos rítmicos, y recientemente ha incorporado también los pasajes hablados del rap.

Así mismo, ha sacado partido de las innovaciones tecnológicas. En los años 1940 un mejorado diseño del micrófono hizo posible un estilo de canto más íntimo,13​ y diez o veinte años más tarde los discos de 45 r.p.m. —baratos y más duraderos— «revolucionaron la manera en que se diseminó el pop» y ayudaron a conducir a la música pop a «un star system de disco/radio/cine».​ Otro cambio tecnológico fue la amplia disponibilidad de la televisión en los años 1950; con las actuaciones televisadas, «las estrellas del pop tenían que tener una presencia visual». En la década de los 60, la introducción de receptores de radio baratos y portátiles significó que los adolescentes podían oír música fuera de casa. La grabación multipista (de los 60) y el sampling digital (de los 80) han sido usados también como medios para la creación y elaboración de música pop. A comienzos de los 80, la promoción de la música pop se había nutrido del auge de los programas y canales musicales de televisión, como la MTV, que favorecieron a aquellos artistas como Michael Jackson y Madonna que poseían un fuerte atractivo visual.

La música pop ha estado dominada por la industria musical norteamericana y británica, cuya influencia ha hecho de la música pop una especie de monocultura internacional, pero la mayoría de las regiones y de los países tienen su propia forma de pop, a veces produciendo versiones locales de tendencias más amplias y prestándoles características locales. Alguna de estas tendencias han tenido un significativo impacto en el desarrollo del género.

De acuerdo con Grove Music Online, «los estilos occidentales de pop, ya sea coexistiendo o marginalizando a los géneros de carácter local, se han expandido por el mundo y han llegado a constituir unos denominadores estilísticos comunes en las culturas globales de música comercial».

​ Algunos países no occidentales, como Japón, han desarrollado una industria próspera de música pop, la mayoría de la cual se enfoca al pop de estilo occidental, y ha producido durante varios años una cantidad de música mayor que cualquier otro país excepto Estados Unidos. La expansión de la música pop de estilo occidental ha sido interpretada de manera variada como la representación de procesos de americanización, homogeneización, modernización, apropiación creativa, imperialismo cultural, y/o un proceso más genérico de globalización.

Características

Los musicólogos suelen identificar unas series de características muy típicas del género de música popular: un enfoque en canciones individuales o sencillos (singles), en lugar de obras extensas o álbumes; el objetivo de atraer a un público general, en lugar de dirigirse a una sub-cultura o ideología; una preferencia por la artesanía por encima de cualidades formales artísticas; cierto énfasis en la grabación, producción y tecnología, antes que la actuación en vivo; y una tendencia a reflejar las tendencias existentes en lugar de a los desarrollos progresivos.

El principal elemento de la música pop es la canción, a menudo de entre tres y cinco minutos de duración, generalmente marcada por un elemento rítmico constante y notable, un estilo afín a la corriente dominante, y una estructura tradicional y simple.​ Las variantes más comunes son la estrofa-estribillo y la forma de treinta y dos compases, con una especial atención a las melodías pegadizas y un estribillo que contrasta melódica, rítmica y armónicamente con la estrofa.18​ El ritmo y las melodías tienden a ser sencillos, con un acompañamiento armónico limitado.​ Las letras de las canciones pop modernas se centran típicamente en temas sentimentales o de la vida cotidiana, particularmente las relaciones amorosas, las experiencias personales y los temas sociales, entre otros.

La armonía de la música pop coincide con la de la tonalidad europea clásica, utilizando a menudo los ciclos de subdominante-dominante-tónica, aunque también con influencias frecuentes de la escala de blues.

Leer más...

Genero Merengue

Merengue

El merengue es un género musical bailable originado en la República Dominicana a finales del siglo XIX. Es muy popular en todo el continente americano, donde es considerado, junto con la salsa, como uno de los grandes géneros musicales bailables que distinguen el género latinoamericano. También es muy popular en parte de Europa, como España, entre otras latitudes. El merengue fue inscrito el 30 de noviembre del 2016 en la lista representativa del Patrimonio Cultural Inmaterial de la Humanidad de la Unesco.

En sus orígenes, el merengue dominicano era interpretado con instrumentos de cuerda (bandurria y/o guitarra). Años más tarde, los instrumentos de cuerda fueron sustituidos por el acordeón, conformándose así, junto con la güira y la tambora, la estructura instrumental del conjunto de merengue típico. Este conjunto, con sus tres instrumentos, representa la síntesis de las tres culturas que conformaron la idiosincrasia de la cultura dominicana. La influencia europea viene a estar representada por el acordeón, la africana por la tambora, que es un tambor de dos parches, y la taína o aborigen por la güira.

Aunque en algunas zonas de la República Dominicana, en especial en el Cibao y en la subregión Noroeste, hay todavía conjuntos típicos con características similares a aquellos pioneros, este ritmo fue evolucionando durante todo el siglo XX. Primero, con la introducción de nuevos instrumentos como el saxofón y más tarde con la aparición de orquestas con complejas secciones instrumentales de vientos.

La evolución del merengue de letra decente para amenizar una de sus rumbas. A partir de entonces, se diseminó muy rápidamente por todo el país. En 1875 el presidente Ulises Francisco Espaillat (conocido por sus escritos contra el merengue) inició una campaña contra el merengue por sus bailes y letras explícitas, pero fue totalmente inútil, pues ya el baile se había adueñado del Cibao, donde se hizo fuerte a tal punto que se asocia hoy a esta región como la cuna del merengue.

Como fueron músicos cultos los que fijaron la forma musical del nuevo merengue, los músicos populares trataron de imitar y seguir este modelo, mientras que el hombre de campo continuó tocando el merengue en su forma original. Esto dio origen a dos formas de merengue: el merengue folclórico o típico, que aún se encuentra en los campos, y el merengue de salón, propio de los centros urbanos. De esta manera, desplazó a algunos otros bailes típicos como la tumba, que requería gran esfuerzo físico y mental, mientras que la coreografía del merengue, en la que el hombre y la mujer no se sueltan nunca, era bastante simple, aunque poco a poco fueron desarrollándose muchas diversas figuras para este baile de salón con las personas. Hoy en día existe un gran repertorio de este género musical en el cual se ha destacado el llamado "merengue callejero".

Origen del Merengue.

Se discute aún el origen del merengue. Entre las opiniones diferentes acerca del tema encontramos:

·         Fué Alfonseca quien inventó el merengue (Según Flérida de Nolasco).

·         Su origen y aparición se pierde en las brumas del pasado (Julio Alberto Hernández).

·         Nació con carácter de melodía criolla tras la Batalla de Talanquera donde triunfaron los dominicanos (Rafael Vidal).

·         Parece ser que el merengue se desprende de una música cubana llamada UPA, una de cuyas partes se llamaba merengue. La UPA pasó a Puerto Rico, de donde llegó a Santo Domingo a mediados del siglo pasado (Fradique Lizardo).

Al parecer Lizardo se acerca al meollo de la cuestión. En 1844 el merengue aún no era popular, pero ya en 1850 se puso de moda, desplazando a la Tumba. A partir de ese momento tuvo muchos detractores.

A principios de la década de 1850 se desató en los periódicos de la capital dominicana, una campaña en defensa de la Tumba y en contra del merengue que reflejaba el auge que iba adquiriendo el merengue en detrimento de la última.

Don Emilio Rodríquez Demorizi dice: "Los orígenes del merengue siguen pues, en la niebla. No parece que pueda atribuirse a origen haitiano. De haber tenido esa oscura procedencia no habría gozado de boga alguna en 1855, época de cruentas luchas contra Haití; ni los que en ese año repudiaban al merengue habrían dejado de señalar tal procedencia como suficiente motivo. Tampoco lo señaló Ulises Francisco Espaillat en sus escritos contra el merengue en 1875". En realidad, poco se sabe en concreto acerca del origen del merengue.

A mediados del siglo pasado, de 1838 a 1849, un baile llamado URPA o UPA Habanera, se paseó por el Caribe llegando a Puerto Rico donde fue bien recibido. Este baile tenía un movimiento llamado merengue que al parecer es la forma que se escogió para designar el baile y llegó a nuestro país donde ni siquiera se mencionó en los primeros años. Posteriormente fue bien acogido y hasta el coronel Alfonseca escribió piezas de la nueva música con títulos muy populares como "¡Ay, Coco!", "El sancocho", "El que no tiene dos pesos no baila", y "Huye Marcos Rojas que te coje la pelota".

La estructura musical del merengue en la forma que se puede considerar más representativa constaba de paseo, cuerpo o merengue, y jaleo. Se le quiere atribuir a Emilio Arté erróneamente el haber agregado el paseo al merengue tal como existía en su época. Toda la música se escribe a un ritmo de 2 x 4 y existen discrepancias en cuanto al número de compases que deben constituir cada parte, pues se abusaba a veces al alargarlas "ad infinitum".

Las formas literarias que acompañan al merengue son las más comunes dentro del arte popular la copla, la seguidilla, y la décima, apareciendo pareados de vez en cuando.

Desde el principio el merengue se interpretó en los instrumentos que poseía el pueblo y que les eran más fáciles de adquirir, las bandurrias dominicanas, el Tres, el Cuatro. A fines de siglo pasado hizo su entrada por el Cibao el acordeón diatónico de origen alemán que por su fácil manejo desplazó la bandurria. Por sus escasas posibilidades melódicas este instrumento limitó la música que interpretaba y así el merengue se conservó en cierta forma desvirtuado con relación al original.

Con esta variante el merengue se adentró en la sociedad dominicana, integrándose por completo con ciertos sectores sociales desplazando inmediatamente a otras danzas que como la Tumba, por ejemplo, requerían de sus ejecutantes (bailadores) un gran esfuerzo mental y físico. Este último tenía once figuras diferentes. Es fácil de imaginarse por qué el merengue con su coreografía reducida a la más simple expresión pudiera desplazar a todos sus rivales y acaparar el fervor del pueblo.

Coreografía

La coreografía del merengue se reduce a lo siguiente:

·         El hombre y la mujer entrelazados se desplazan lateralmente en lo que se llama "paso de la empalizada", luego pueden dar vuelta hacia derecha o izquierda. Esto constituye el verdadero "merengue de salón", en el cual las parejas no se separaban jamás.

·         Existe también lo que se conoce con el nombre de "merengue de figura" en el cual las parejas hacían múltiples evoluciones y adornos o "floreros" como se le llamaba, pero siempre sin soltarse.

·         El merengue genuino y auténtico solo sobrevive en las zonas rurales. La forma tradicional del merengue ha cambiado. El paseo desapareció. El cuerpo del merengue se ha alargado un poco más y en vez de 8 a 12 compases a veces se le ponen desde 32 hasta 48. El jaleo ha sufrido la introducción de ritmos exóticos que lo han desnaturalizado.

Rechazo inicial y aceptación posterior

A pesar de su auge entre las masas populares, la clase alta no aceptó el merengue por mucho tiempo, por su vinculación con la música africana. Otra de las causas que pesaron sobre el repudio y ataques contra el merengue fueron los textos literarios que lo acompañan, generalmente subidos de tono. Por ejemplo:

Tó loj' cuero* son de Santiago

y en Santiago ello' viven bien

y por culpa de'sa maidita

santiaguero soy yo también

En la Rep. Dominicana se le llama cuero a una mujer de poca dignidad, prostituta, inmoral.

Otras danzas dominicanas de origen negro no fueron atacadas por su carácter de danzas rituales. Esto que chocaba con la concepción religiosa de los grupos de la clase elevada. Su mismo carácter ritual hacía que su práctica se restringiera a unos pocos lugares o días al año, con un alcance o difusión entre la población muy limitado. El merengue por el contrario por su carácter de danza de regocijo se introdujo con más facilidad en los lugares de fiestas generales y por esto la reacción en contra si bien fue fuerte, fue vencida por el sabor de su ritmo.

En 1875 Ulises Francisco Espaillat inició una campaña contra el merengue que fue totalmente inútil pues ya el baile se había adueñado del Cibao donde se hizo fuerte a tal punto que se asocia hoy esta región como cuna del merengue. A principios del presente siglo músicos cultos hicieron una gran campaña para la introducción de esta danza en los salones. Los músicos populares se unieron a esa campaña, la que encontraba siempre la resistencia que inspiraba el lenguaje vulgar de las letras que acompañaban el ritmo. Juan F. García, Juan Espínola y Julio Alberto Hernández, fueron pioneros en esa campaña. Su éxito no fue inmediato ya que a pesar de que establecieron la forma musical del merengue, no pudieron conseguir que el merengue penetrara en "la sociedad" y se considerara como una creación del pueblo dominicano aceptándola sin aspavientos.

El panorama cambió a partir de 1930, pues Rafael L. Trujillo en su campaña electoral usó varios conjuntos de "Perico Ripiao" y logro difundir el aire nuevo a zonas donde no se le conocía previamente, ayudándole mucho en esa difusión el uso de la radio recién llegada al país antes del inicio de la dictadura.

A pesar de esta gran difusión y propaganda no se aceptó de pleno el merengue en lo que se llamaba "la buena sociedad dominicana" hasta que en una familia de la "aristocracia" de Santiago, en ocasión de la celebración de una fiesta solicitaron a Luis Alberti, que iba a amenizar con su orquesta, que compusiera un merengue con "letras decentes", y éste accedió. Compuso para tal ocasión el "Compadre Pedro Juan", el cual no solo gustó, sino que causó furor, llegando a convertirse en el himno de los merengues. A partir de ese momento comenzó a diseminarse el merengue. Para esto la radio prestó una ayuda generosa.

Al diseminarse el merengue por todo el ámbito nacional, produjo, como toda manifestación cultural, variantes. Estas reflejan el manejo de los elementos culturales hecho al acomodo y conveniencia de algunos.

Como fueron músicos cultos los que fijaron la forma musical del nuevo merengue, los músicos populares trataron de imitar y seguir este modelo mientras que el hombre de campo continuó tocando el merengue de la misma forma. Esto dio origen a dos formas de merengue bien diferenciadas entre sí. El merengue folklórico auténtico que aún se encuentra en los campos, y el merengue de salón. Este último es el que más se difunde y el que la gran mayoría de personas creen que es folklórico.

Leer más...

Genero Jazz

Genero Jazz

La identidad musical del jazz es compleja y no puede ser delimitada con facilidad. En primer lugar, aunque a menudo el término se use para hacer referencia a un idioma musical (tal como se hace, por ejemplo, cuando se habla de música clásica), el jazz es en realidad una familia de géneros musicales que comparten características comunes, pero no representan individualmente la complejidad de género como un todo; en segundo lugar, sus diversas "funciones sociales" (el jazz puede servir como música de fondo para reuniones o como música de baile, pero ciertos tipos de jazz exigen una escucha atenta y concentrada) requieren un ángulo de estudio diferente; y en tercer lugar, el tema racial siempre ha generado un profundo debate sobre el jazz, moldeando su recepción por parte del público. 

Si bien el jazz es un producto de la cultura afroamericana, siempre ha estado abierto a influencias de otras tradiciones musicales, y ya desde la década de 1920 ha sido ejecutado por músicos de diversas partes del mundo con un trasfondo muy diferente. En ocasiones se ha mostrado como paradigma del jazz la obra de músicos con más éxito comercial,nota 1​ que los aficionados y la crítica han considerado subproductos alejados de la tradición, entendiendo por el contrario, que el jazz es una forma de música negra, en la que los afroamericanos han sido sus mayores innovadores y sus más notables representantes.

Entre los muchos intentos de delimitar y describir el complejo fenómeno del jazz, el crítico y estudioso alemán Joachim-Ernst Berendt, en su obra clásica El jazz: de Nueva Orleans al jazz rock, señala:

El jazz es una forma de arte musical que se originó en los Estados Unidos mediante la confrontación de los negros con la música europea. La instrumentación, melodía y armonía del jazz se derivan principalmente de la tradición musical de Occidente. El ritmo, el fraseo y la producción de sonido, y los elementos de armonía de blues se derivan de la música africana y del concepto musical de los afroamericanos.

El género musical del Jazz se encuentra entre los más populares y admirados alrededor del mundo. Este movimiento que surgió en os Estados Unidos, proviene del contraste entre la música de los esclavos negros traídos de África en épocas anteriores, con las melodías propias de Occidente. De esta manera, la influencia de los sonidos africanos hizo mella en la cultura dominante de aquel entonces, hasta evolucionar en el estilo que conocemos actualmente y que ha hecho bailar a millones de personas, en distintos lugares y ocasiones.

Dentro del Jazz es posible distinguir algunas cualidades principales, que componen su esencia misma:

·         Swing: Este es un ritmo muy especial que fue característico del jazz en sus orígenes y que más tarde, serviría como una de las bases que sentaron la creación y el desarrollo del rock n’ roll.

·         Sonido personal: Los músicos del género dejan ver rasgos de su personalidad en cada composición, haciendo de cada canción algo único con lo que la audiencia puede llegar a identificarse.

·         Improvisación: Se trata de una de las características más relevantes en el jazz. Cualquier ejecutante puede desempeñar sobre el esquema de una melodía, pasajes musicales de forma espontánea.

Orígenes del jazz

La ciudad de Nueva Orleans se ubica como la cuna del género, gracias a su mezcolanza de individuos de diferentes nacionalidades desde su fundación, entre los que se cuentan franceses, americanos, italianos, ingleses, africanos, escoceses e irlandeses. A través de la utilización por los esclavos de instrumentos como tambores y guitarras, para recrear los sonidos propios de su cultura, surgieron expresiones musicales como el cajun y el afamado blues. Este último también estuvo muy presente en las plantaciones de algodón de diversas ubicaciones del país, y resaltaba por componerse de canciones tristes, entonadas por los trabajadores negros.

Medio siglo después de la fundación de la ciudad de Nueva Orleans, en 1764, Francia la cedió a España para recuperarla nuevamente en 1801. Dos años más tarde, en 1803, pasó a ser parte de Estados Unidos como consecuencia de la compra de la Luisiana.8​ Por ello, los franceses y españoles, junto a alemanes, italianos, ingleses, irlandeses y escoceses contribuyeron en la formación de la escena cultural de la ciudad. La procedencia de los habitantes de raza negra era diversa, siendo mayoritariamente de la zona occidental de África o del Caribe. Es en este heterogéneo contexto cultural donde tuvo su origen la aparición de estilos musicales tan diversos como el jazz, la música cajun, el zydeco o el blues.9​

The Old Plantation, cuadro de 1790 en que se muestra a esclavos afroamericanos bailando al son de un banjo y diferentes instrumentos de percusión.

En muchas áreas del Sur de Estados Unidos el batir de tambores estaba prohibido por la ley y en zonas como Georgia se prohibió el uso de cualquier instrumento musical por parte de los esclavos.​ Sin embargo a comienzos del siglo XIX los festivales con música de tambores y danzas africanas se organizaban con frecuencia tanto en Nueva Orleans, en la Plaza del Congo, como en Memphis, Kansas, Dallas o San Luis.​ Se usaban instrumentos de percusión y de cuerda similares a los utilizados en la música africana indígena. Los esclavos solían tener el domingo libre y organizaban fiestas en la Plaza del Congo que se prolongaron aproximadamente hasta 1885, coincidiendo con el surgimiento de las primeras bandas de jazz. ​ Las canciones y danzas interpretadas eran en gran medida funcionales, ya fuese para el trabajo con canciones o gritos de campo, o para rituales. La característica principal era su gran riqueza rítmica. ​ La tradición africana hacía uso de melodías simples y de técnicas de música de llamada y respuesta. Estos elementos no tardaron en combinarse con conceptos armónicos procedentes de la música europea. Los ritmos reflejaban patrones africanos y de las escalas pentatónicas surgieron las notas del blues, utilizadas posteriormente para sentar las bases del blues y el jazz.

Los estamentos eclesiásticos intentaron controlar la música de los esclavos obligando a las personas de raza negra a que cantasen salmos e himnos para «convertirles» a estilos musicales más europeos. En muchos casos, el efecto fue contrario. Alan Lomax, erudito de la música afroamericana, comentó: Los negros habían africanizado los salmos a tal nivel que muchos observadores describieron los himnos de los negros como misteriosa música africana. En vez de actuar de forma individual, fusionaban las distintas voces, obteniendo increíbles armonías, en las que cada cantante hacía variaciones de la misma melodía. El resultado fue una música potente y original como el jazz, pero profundamente melancólica, ya que la cantaba gente muy presionada

Por otra parte, el surgimiento del llamado Ragtime en Sant Louis, acabo por dar vida a los elementos que conformarían el jazz. Se trataba de la superposición de ritmos efectuados por ambas palmas de las manos, que también eran desempeñados por los trabajadores prisioneros de aquella época. Junto con los cantos religiosos de gospell y la influencia de melodías europeas, Jerry Roll Morton se aventuró a improvisar nuevas composiciones, por las que más tarde se le atribuiría el título de inventor del género.

Instrumentos del jazz

Dentro de este estilo de música es común la utilización de determinados instrumentos, para recrear los sonidos que la caracterizan. Estos son los siguientes:

ü  Contrabajo. Responsable de los ritmos graves que muchas veces le sirven del fondo a los jazzistas. Se toca con los dedos.

ü  Batería. La percusión que produce es indispensable para obtener el contraste con las melodías suaves que se escuchan en el jazz.

ü  Saxofón. Sin duda un instrumento muy popular dentro del ámbito de esta clase de música. Tal fue su popularidad que hoy incluso es un icono de esta.

ü  Trompeta. A pesar de que después sería sustituida por el saxofón, fue muy importante para el jazz en los años 40.

ü  Piano. Es uno de los elementos que más protagonismo cobran en el género y data de sus orígenes, pues ya era usado para tocar canciones de ragtime.

ü  Banyo. Actualmente es más común usar la guitarra, pero en sus inicios, el banyo era más recurrido por quienes iniciaban a tocar jazz.

Exponentes del jazz

Como todo gran género musical, el jazz cuenta con grandes músicos que hoy siguen vigentes por medio de temas inolvidables. Dos de los más importantes son Billie Holiday y Louis Armstrong, de quienes puedes escuchar un par de canciones a continuación. Ellos cambiaron su generación por medio de la música que crearon.

La era del “Swing”

En el último tercio de la década de 1920, los estilos de two beat habían agotado sus posibilidades de desarrollo, mientras que en Nueva York se estaba desarrollando una nueva forma de hacer jazz, que se consolidó sobre todo como resultado de la migración masiva de músicos de Chicago hacia la "ciudad de los rascacielos".41​ Las bandas de Fletcher Henderson, Duke Ellington, Jimmie Lunceford y Chick Webb, fueron las que marcaron el rumbo de este nuevo estilo cuya principal característica fue la formación de grandes orquestas, las big bands. Además, aportaron elementos novedosos respecto de la tradición hot: la conversión de los ritmos de dos tiempos (two beat) a ritmos regulares de cuatro acentos rítmicos por compás; la utilización como recurso de tensión del riff, frase corta repetida con crescendo final; la predominancia de pasajes melódicos interpretados straight, es decir, conforme a partitura; la extensión del fenómeno del "solista"; la revalorización del blues; etc. Este proceso no se desarrolló exclusivamente en Nueva York, puesto que en otros lugares, como Kansas City tuvo lugar una evolución similar en big bands como las de Bennie Moten o Count Basie.

El estilo toma su nombre de una de las características del nuevo jazz: el swing como elemento rítmico. Se trató de una operación comercial de los agentes de Benny Goodman, que dirigía una de las bandas más populares de la época, al designarlo como "Rey del swing". Esto llevó al público, pero también a muchos críticos, a creer que swing era el tipo de música que hacía esta banda, consolidándose el nombre.42​ Algunas de las bandas de la época alcanzaron un enorme éxito popular y de ventas, generando un subestilo comercial que, a la larga, acabaría por lastrar las posibilidades de desarrollo del swing: Artie Shaw, Harry James, Glenn Miller, Tommy Dorsey... Sin embargo, no todas derivaron hacia ese camino, y algunas de ellas establecieron las bases de los grandes cambios conceptuales del jazz de la década de 1940: Woody Herman, Stan Kenton, Lionel Hampton o Jay McShann. En algunos casos, se desarrollaron escenas regionales con gran proyección y personalidad diferenciada, como es el caso del Western swing (que fusionó músicas de origen folclórico) y, en Europa, del llamado jazz manouche, impulsado por Django Reinhardt.

Leer más...

Genero Indie

Genero Indie

Últimamente hemos escuchado este término en todos lados. La palabra y el estilo están de moda, sin embargo, pocas sabemos realmente qué significa ser indie.

El término “indie” viene de la palabra independiente, y entra en esta categoría toda la música que llega al público por sus propios medios, es decir, sin un sello discográfico que los apoye.

Son grupos que se enfocan en subrayar su propio estilo, mostrando la música que a ellos les gusta crear sin depender de las tendencias globales o de una marca que los encasille en cierto género. Su música podría entrar en la categoría de culto, pues llegan únicamente a esos fans que van más allá de lo comercial.

Orígenes del Genero Indie

 Es bien sabido que muchas bandas que empezaron en sellos independientes acabaron pasando a discográficas multinacionales debido a su gran éxito (¿te suenan Dover, Lori Meyers, Supersubmarina o Miss Caffeina?). Hoy en día, la definición de música indie es tan amplia que abarca muchos ámbitos, como el de las bandas que están en sellos independientes, el indie como género musical o incluso como cultura alejada del mainstream.

Ahora un poco de contexto histórico para que lo petes en tus próximas conversaciones sobre el indie. Aunque todo te suene muy del siglo XXI, es en la década de los 80 cuando comienza a acuñarse el término de indie, tras el boom punk y el surgimiento de los grupos post punk británicos. El famoso Do it yourself (DIY) se extendió entre los jóvenes que deseaban salirse de la cultura popular que dictaba las tendencias y muchas bandas y sellos discográficos nacieron con este espíritu.

Aquí en España, fue a principios de los 90 cuando el concepto indie llegó con la aparición de bandas como Los Planetas y Nosoträsh (Elefant Records) o Australian Blonde y Los Fresones Rebeldes (Subterfuge). El término se consolida en nuestro territorio gracias a medios como Rockdeluxe, MondoSonoro y Radio 3, que se hicieron eco de toda esta nueva ola, y con la aparición de festivales de música que acogen por primera vez este tipo de bandas (FIB, Sonorama o Contempopranea).

El auge de los festivales en nuestro país en los últimos años ha hecho que ir a un festival de música sea la opción preferida de ocio veraniego para la mayoría de las personas de entre 20 y 45 años según el Observatorio de Patrocinio de Marcas en Festivales (es decir, entre los jóvenes…).

Volviendo al territorio peninsular, es en la última década cuando todo se está difuminando con las redes sociales y lo que antes era indie hoy suena en todas las radios e hilos musicales de comercios. Afortunadamente, todo está cambiando y hasta lo más indie llega a todo el mundo. Cuando algo tiene calidad, la música no entiende de eruditos ni underground. Los Beatles son una de las bandas más comerciales a efectos económicos y, sin embargo, hicieron discos rupturistas musicalmente, con ellos se formó una cultura que se salía totalmente de la rigidez británica imperante y fueron fundamentales para la aparición del movimiento hippie.

Muchas bandas que comienzan siendo indies cuentan con los grandes para crecer, y esto significa también un cambio en la industria. Grupos como Vetusta Morla, la banda indie por excelencia que llena la explanada de la Caja Mágica y que tiene su propio sello discográfico desde hace más de 10 años, han incluido en su estructura empresarial una discográfica multinacional para ampliar horizontes y que se encargue de su distribución internacional para crecer. Y siguen siendo indies. Y siguen siendo increíblemente buenos (aunque algunos ya hayan quemados sus discos llamándoles vendidos mientras, por otro lado, escuchen a los Beatles sintiéndose la élite más intelectual).

Características para ser “indie”

Existen ciertos lineamientos que caracterizan a los grupos indies:

·         Cuando el grupo no está ligado a circuitos del mercado musical o la difusión sonora o publicitaria. Es decir, son ellos mismos los que promocionan su música con sus propios medios.

·         Cuando se hace con vocación puramente artística y no comercial.

·         Cuando el estilo o la música de la banda no entra en ningún parámetro de etiquetas comerciales. Es decir, si no es pop, o rock, o salsa… pero todo eso junto, es indie.

·         Cuando el sello discográfico que edita las grabaciones o promociona los conciertos es de pequeño o amateur. Es decir, no es Sony, ni Warner, ni Universal.

·         Cuando todo el proceso artístico está contolado y supervisdao por los mismos músicos, y no interfieren condiciones de departamentos de marketing o medios de comunicación.

Muchas de las bandas que escuchamos actualmente empezaron dentro del movimiento indie, como “Foster the people” (Pumped up Kicks), pero cosechan tanto éxito que son absorbidas por una disquera y pierden su carácter de independientes.

A través de la historia, muchos géneros y bandas han sido catalogadas como “indies”, por su carácter innovador y porque presentaban propuestas alternativas a lo conocido en ese momento. Así empezaron géneros como el reggae, o el grunge, que conforme fueron ganando audiencia se consolidaron con su etiqueta particular y las grandes firmas se interesaron y contrataron artistas que los produjeran.

Música Indie

Actualmente existen muchas bandas que tocan este tipo de música, y que gracias a los medios electrónicos y las redes sociales han logrado posicionarse en el gusto de los seguidores de este género.

Aquí te presentamos 5 opciones para que vayas identificando las características del movimiento y cuando escuches una canción puedas afirmar que es música indie:

ü  Foals

ü  Two Door Cinema Club

ü  Empire of the sun

ü  Franz Ferdinand

ü  Arctic Monkyes

Leer más...