Si te gusta la música, este es tu lugar indicado.

¿No esta lo que buscas?

  • "No sé dónde terminara el viaje, pero sé por dónde comenzar" -Avicii.

  • Heavy Metal

    Metallica

  • Al mal tiempo, buena musica.

  • El genio se compone del 2% de talento y 98% de perseverancia y aplipación.

    -Beethoven

  • La musica habla en emociones y no en palabras.

domingo, 11 de agosto de 2019

Rock Psicodélico


Rock Psicodélico

Es un estilo de rock que intenta evocar sonoramente y/o líricamente la experiencia psicodélica usualmente asociada con el uso de sustancias psicoactivas como la marihuana, la mescalina. El género alcanzó su máxima popularidad entre 1967 y 1969. Desde 1972 se comenzaron a masificar otras corrientes musicales que adquirieron influencia en los años 70 como el Rock progresivo, el Rock sinfónico, el Hard rock y el Glam rock con lo cual el Rock Psicodélico empezó de disminuir su popularidad. Un importante número de bandas siguieron trabajando en la corriente y se produjo un nuevo auge en los años 80, el rock psicodélico de los años 60 ha sido muy influyente en géneros como el rock progresivo y en la escena krautrock alemana, entre otros.


Historia

Dentro de las primeras bandas que dan atisbos de rock psicoldélico tenemos a la escena de Canterbury como Wilde Flowers o también el otro nombre que adquirió, Daevid Allen Trío que después los integrantes de estas bandas darían origen a importantes grupos como Soft Machine, Gong y Soft Heap entre otros.

En 1962 el rock británico se embarcó en una frenética carrera de ideas que se extendió por Estados Unidos a causa de la llamada Invasión británica de la música rock. El entorno de la música folk también experimentó con las influencias externas. En la misma línea de la tradición jazz y blues, muchos músicos comenzaron a tomar drogas, e incluyeron referencias a éstas en sus canciones.


En 1965 Bob Dylan tomo influencias de los Beatles y The Animals y trajo la instrumentación eléctrica de la música rock en su álbum Bringing It All Back Home, pero la banda de Los Angeles, The Byrds le superaron en ello con un disco sencillo (single) de una pista de un álbum suyo con rastros de psicodelia, Mr. Tambourine Man (en efecto, un "cover" de Dylan), que jugueteaba con los sonidos eléctricos y voces algo etéreas.




Del rock psicodélico

El origen musical es Garage rock, raga rock, folk rock, jazz, blues rock, el origen cultural es del año 1960 en el Reino Unido y Estados Unidos, los instrumentos comunes que se utilizan en este género musical son Guitarra eléctrica, bajo, batería, sitar, melotrón, theremín, órgano hammond, órgano farfisa, clavicémbalo, distorsiones y efectos sonoros, alcanzó alta popularidad en Estados Unidos y Gran Bretaña desde 1965 a 1971.


De este género se derivaron los subgéneros Rock ácido, Paisley underground, Stoner rock. La categoría es música rock. La psicodelia musical dio sus primeros pasos en Estados Unidos primero en el campo de grabaciones de corte experimental académico que contenía música ritual y evocaciones de la temática de la expansión de la conciencia.

En 1965 cuando toma verdadera forma las características del rock psicodélico: Primero, cuando el grupo estadounidense The Charlatans materializa la primera actuación de una banda bajo efectos del LSD, en menos de un mes de ese bizarro acontecimiento.

Evolución del Rock psicodélico

Los años setenta

Se suele mencionar que la mayoría de las bandas psicodélicas de los sesenta que continuaron siendo activas en Estados Unidos y el Reino Unido (Pink Floyd, The Pretty Things, The Society of fleeting mysteries) en los setenta, dejaron atrás la psicodelia y en muchos casos mutaron hacia el estilo conocido como Rock progresivo y a géneros similares. A fines de los años setenta aparecieron bandas usualmente clasificadas dentro del nombre pospunk. Dentro de estas destacaban The Soft Boys, The Teardrop Explodes y Television Personalities; las cuales tenían una clara influencia del rock psicodélico de los sesenta.


En los años ochenta

En los ochenta aparecieron nuevas bandas con influencias psicodélicas claras. En California especialmente pero también en otros lugares de Estados Unidos aparecieron bandas a las que les fue asignado el término Paisley underground y aquí destacan Green on Red, The Three O'Clock, The Dream Syndicate, Plasticland, The Secret Syde, The Inn y Lord John. En éstas la influencia de The Byrds era importante y en muchos aspectos eran cercanas al sonido conocido como Jangle pop.


En el Reino Unido en los ochenta aparecieron bandas asociadas con el término New Wave como The Shamen, Nick Nicely, XTC, Martin Newell con The Cleaners from Venus, The Barracudas, Mood Six, The Prisoners, Echo and the Bunnymen, Doctor and the Medics, The Cardiacs y The Brotherhood of Lizards. Dentro de éstas destacó especialmente XTC dentro de los medios de crítica de rock. XTC desarrolló el rock psicodélico bajo el pseudónimo The Dukes of Stratosphear.

En Estados Unidos además The Grateful Dead y la banda Phish siguieron dando conciertos en un estilo conocido como jam band y acompañados por fieles seguidores.

A fines de la década de la los ochenta se impuso el género de música electrónica bailable psicodélico conocido como Acid House. Este y la escena rave influenciarían a bandas de rock de sonido neo-psicodélico como The Happy Mondays, The Stone Roses y el resto de la escena conocida como Madchester. Una banda aparecería en el Reino Unido que tendría una notable influencia en bandas posteriores de psicodelia, space rock y noise rock, Spacemen 3, la cual fusionaba influencias del garage rock de The Stooges, la psicodelia de The 13th Floor Elevators, y el Krautrock y, al mismo tiempo que tenía un explícito contenido relacionado con las drogas en sus letras.

En los años noventa

Entre fines de los ochenta e inicios de los noventa, en el Reino Unido se desarrollaron dos géneros similares y conectados fuertemente por una perspectiva influenciada por la psicodelia. Por un lado, está el Dream pop y por otro el Shoegazing. El dream pop se caracterizó por un fuerte melodicismo con tendencias texturales y letras con contenido nostálgico, agridulce, introspectivo y evocador de estados oníricos.

Bandas posteriores de psicodelia aparecieron en el Reino Unido como Kula Shaker, Ozric Tentacles, Sun Dial, The Bevis Frond, y The Magic Mushroom Band. En EEUU aparecieron bandas que fueron agrupadas dentro del apelativo de The Elphant 6 collective como The Apples in Stereo, of Montreal, Neutral Milk Hotel, Beulah, Elf Power, Grandaddy, Modest Mouse, The Essex Green, The Gerbils, The Ladybug Transistor y The Olivia Tremor Control.

En el sur de California emergió un sonido en alguna forma similar al grunge debido a influencias similares como Black Sabbath, Led Zeppelin, The Stooges y MC5, así como cercano al sludge rock. Este es el género de heavy metal y Acid rock conocido como Stoner Rock en el que destacan bandas como Kyuss, Monster Magnet, Queens of the Stone Age, y Nebula, y en Argentina principalmente Los Natas y Babasónicos. Este género se destaca por fuertes referencias a drogas psicodélicas y se lo denomina "stoner" por ser un nombre que se le suele designar en Estados Unidos a los aficionados al consumo de marihuana. Así por un lado están bandas con un sonido más hard rock como Nebula y otras que aparecerían después cercanas al Doom metal como Electric Wizard y Cathedral del Reino Unido.

En el año 2000, un nuevo milenio

Algunos de estos géneros continuaron en los años 2000 como el Dream pop, el Stoner Rock, así como bandas influenciadas o emergidas del shoegazing como Spiritualized. Por otro lado, emergerían bandas de rock espacial psicodélico de larga duración y contenido improvisatorio. Así pues, tenemos la banda de FiladelphiaBardo Pond la cual conjuga la influencia del dream pop y el shoegazing con la del rock espacial de bandas como Pink Floyd (los precursores) o Spacemen 3. Así mismo destaca la banda japonesa Acid Mothers Temple la cual une al rock espacial con el rock ácido con un fuerte contenido improvisatorio inspirado en Frank Zappa, Grateful Dead y Sun Ra. Otras bandas similares son SubArachnoid Space de California y Mogwai de Escocia.



En los 2000 tomarían fuerza denominaciones como noise rock y post-rock. Estos géneros suelen tener fuertes componentes electrónicos y tendencias hacia la atonalidad y la disonancia influenciados por bandas como Spacemen 3, My Bloody Valentine, Sonic Youth, Pere Ubu, e inclusive la música ambiental contemporánea y el avant-garde electrónico de la música clásica contemporánea. Dentro de estas bandas podríamos considerar a bandas con tendencias psicodélicas como Animal Collective, y CocoRosie. En este milenio, se empezaron a recordar grupos de rock psicodélico como Pink Floyd.



Compartir:

Artistas más conocidos del Folk Rock

1.Bob Dylan


Nacido en Duluth, a los seis años se traslada con su familia a la cercana Hibbing, donde su padre tiene un negocio de materiales eléctricos. La vida de comerciante no es el sueño del joven Bob y el ambiente de la población, cuya economía es sobre todo minera, no debe de ser muy atractiva para un adolescente. Dylan descubre muy pronto la música. A los ocho años aprende por sí solo a aporrear el piano y por diez dólares adquiere una guitarra por correo. Escucha la radio todas las tardes y, así descubre la música de Hank Williams y de grupos de color. Es en este preciso momento cuando se enamora de la idea de llegar a ser un héroe del rock and roll, que entonces irrumpe con fuerza entre los jóvenes, y llegar al éxito de Elvis Presley, Carl Perkins o Jerry Lee Lewis.



A su pasión por la música se une también el amor por las motos de gran cilindrada. Cuanto más crece Dylan más se rinde a la necesidad de huir de Hibbing. En 1959 finaliza los estudios secundarios e ingresa en la Universidad de Minnesota, en Minneapolis, la capital estatal. Una de sus asignaturas favoritas es el aprendizaje del idioma español y la historia estadounidense. Allí comienza a escuchar temas de country, rock y a músicos de blues como Robert Johnson.

En vez de frecuentar las lecciones básicas en el ambiente de los intelectuales locales, se dedica a escuchar a cantantes folk y olvida por el momento su gran pasión por el rock'n'roll de Little Richard. Son días intensos para Dylan, que lee muchos libros, muchísima poesía, habla poco, pero escucha atentamente discursos sobre la paz, los derechos de los trabajadores, la enseñanza de una nueva moral… Es en este momento en el que cambia su nombre por el de Bob Dylan, para lo que se inspira en el poeta gales Dylan Thomas como el propio artista reconoce en sus memorias.




2.The Pierces


Son una banda proviniente de Nueva York. Las miembras principales son las hermanas Catherine y Allison Pierce, que son originarias de Auburn, Alabama, Estados Unidos. Las hermanas mostraron un gran interés en el mundo de la música desde niñas, pues crecieron escuchando a Joni Mitchell y a Simon & Garfunkel, dando como resultado que las hermanas exploraran su lado creativo interpretando en fiestas, bodas y hasta en iglesias. Allison empezó a mostrar pasión por el baile a los tres años, para que luego Catherine también mostrara esa pasión un poco después.


Poco después, las hermanas Pierce asistieron con regularidad a la Universidad de Auburn, para mandar posteriormente su demo a una pequeña disquera de Nashville, para resultar después, su álbum debut en el 2000, titulado "The Pierces". En el 2005, su segundo álbum fue lanzado bajo el nombre de "Light of The Moon".
Posteriormente, en el 2007, su tercer álbum, "Thirteen Tales of Love and Revenge" fue lanzado, siendo el álbum más exitoso de la banda, tras ganar fanáticos por su hit, "Secret", el cual apareció en numerosas series de televisión y películas.



3.Tim Buckley


Timothy Charles Buckley III (14 de febrero de 1947 – 29 de junio de 1975) fue un músico estadounidense de rock de vanguardia, con influencias de jazz, psicodelia, funk y soul. Su carrera fue corta, entre finales de los 60 y los primeros 70.

La voz de Buckley llegaba a abarcar tres octavas y media. Su talento con la voz está patente en álbumes como Goodbye and Hello (1967), Lorca (1970) y Starsailor (1970). Se casó con Mari Guibert, con la que tuvo un hijo, Jeff Buckley, conocido por su voz de cuatro octavas y media, que murió en 1997.

DISCOGRAFIA.


Tim Buckley (Asylum, 1966)
Goodbye and Hello (Asylum, 1967)
Happy Sad (Asylum, 1969)
Blue Afternoon (Straight, 1970)
Lorca (Asylum/Elektra, 1970)
Starsailor (Rhino, 1970)
Greetings from L.A. (Rhino, 1972)
Sefronia (Manifesto, 1973)
Look at the Fool (Manifesto, 1974)
Dream Letter: Live in London 1968 (Rhino, 1990)
Peel Sessions (1991)



4.Fairport Convention


Ha sido de los grupos más importantes del folk-rock británico, con acercamiento a postulados sónicos de la costa Oeste estadounidense. Por su formación pasaron artistas como Sandy Denny, Richard Thompson, Ashley Hutchings, etc.

Comenzó en 1967 como sexteto. En primera instancia estaba integrado por la cantante Judy Dyble, el cantante Ian Matthews, el guitarrista y cantante Richard Thompson, el guitarrista y vocalista Simon Nicol, el bajista Ashley Hutchingns, y el bateria Martin Lamble.

Sus primeras actuaciones animaron las noches de los clubes londinenses de aquel tiempo, y se estrenaron con el LP "Fairport Convention" (1968), que no cosechó buena respuesta comercial. Quizás por ello Judy Dyble decidió abandonar la formación, y su puesto de cantante fue ocupado por Sandy Denny, procedente de The Strawbs, que hizo que el grupo ampliara su popularidad.

Prosiguió "What we did on our holidays" (1968), y a raiz de este álbum la historia de este grupo ha sido un constante ir y venir de componentes, algunos (como Sandy) ya fallecidos.

Actualmente sigue sacando discos, pero sin repercusión comercial.



5.Simon and Garfunkel


Fue un dúo de Folk Rock compuesto por Paul Simon y Arthur "Art" Garfunkel. Simon y Garfunkel fueron unos artistas muy populares en la década de los 60. Algunas de sus canciones más conocidas son The Sound of Silence (El sonido del silencio), Mrs. Robinson (Señora Robinson), y Bridge Over Troubled Water (Puente sobre aguas turbulentas). Además, han recibido varios Grammys y se incluyen en el Rock and Roll Hall of Fame.

En 1969 el dúo era realmente muy popular y conocido. Garfunkel, a pesar del éxito obtenido, no se sentía demasiado cómodo, ya que Simon se encargaba totalmente de la composición de los temas, y Garfunkel decidió mostrar sus dotes interpretativas y emprendió una carrera cinematográfica, representando el papel principal de Nately en la película Trampa 22 (Catch-22), una adaptación de Mike Nichols de la novela del mismo nombre. También participó en otra película del mismo director, un año más tarde, en Conocimiento Carnal.

La relación personal entre ambos artistas continuó empeorando más tarde, en la gira de 1969, Paul se quejaba de la poca dedicación de Art al dúo. Actuaron en Carbondale (Illinois) el 8 de noviembre, y en la "Universidad de Miami" de "Oxford, Ohio" el 11 de noviembre, donde estrenaron algunas de sus nuevas canciones, incluidas Bridge Over Troubled Water y The Boxer, llegando esta última hasta el puesto 7 en las listas. El concierto de la "Universidad de Miami" fue grabado, y su grabación utilizada para emitirla en un musical de TV, sacado posteriormente en forma de pirata.

A mediados de 1969, Paul se casó con Peggy Harper, nacida en Tennessee, quien estaba desposada cuando la conoció con su represantante Mort Lewis. El 30 de noviembre se emite "Songs Of America", un programa especial de TV, aunque hubo una gran polémica en torno a él, sobre todo con los patrocinadores, ya que el programa se podría interpretar como una crítica a la sociedad americana de la época.

El 26 de enero de 1970 publican Bridge Over Troubled Water. El disco fue uno de los más vendidos de la década (vendiendo alrededor de 12 millones de copias) y tuvo una gran repercusión, alcanzó el primer lugar en las listas de música y se mantuvo allí durante diez semanas. En marzo de 1971 se celebraron los premios Grammy, en el cual, el álbum y el sencillo del mismo nombre ganaron el galardón al mejor álbum y mejor single del año respectivamente, además de ganar también el premio a la mejor canción contemporánea y la mejor canción del año.


Inician así una gira que les llevó por Europa, destacando el concierto en la ciduad holandesa de Ámsterdam, y finalizando el 18 de julio de 1970, en el barrio Forest Hills, el barrio que les vio crecer.

Después de esta gira, el dúo se separó definitivamente, y ambos artistas continuaron sus carreras musicales por caminos diferentes.

En octubre de 1970, Simon donó varios miles de dólares al New York´s City College para un programa educativo de magisterio, destinado a personas de raza negra. La fundación adoptó el nombre de "Mrs.Robinson Scolarship".

En 1972 sacan Simon and Garfunkel's Greatest Hits, una recopilación de los grandes éxitos del dúo, que alcanzó un merecido quinto lugar en las listas de Estados Unidos. Ese mismo año, hacen un concierto benéfico en honor a George McGovern, un candidato a presidente democrático, pero aquel concierto hizo que Paul y Art se distanciaran todavía más.

Compartir:

Bob Dylan


Biografía

Fecha de nacimiento
24 mayo 1941 (78 años)

Lugar de nacimiento
Duluth, St. Louis County, Minnesota, Estados Unidos

Bob Dylan nació con el nombre de Robert Allen Zimmerman el 24 de mayo de 1941 en Duluth, Minnesota (Estados Unidos). Está considerado uno de los compositores y músicos más influyentes y prolíficos del siglo XX y ha sido nominado varias veces al Premio Nobel de Literatura.
En 2007 fue galardonado con el Premio Príncipe de Asturias de las Artes por ser un "mito viviente" de la historia de la música popular y "faro de una generación que tuvo el sueño de cambiar el mundo". El jurado subraya el carácter "austero en las formas y profundo en los mensajes" del músico, que conjuga "la canción y la poesía en una obra que crea escuela y determina la educación sentimental de muchos millones de personas".
Su obra, añade el acta, es "fiel reflejo del espíritu de una época que busca respuestas en el viento para los deseos que habitan en el corazón de los seres humanos".


Infancia y juventud


Nacido en Duluth, a los seis años se traslada con su familia a la cercana Hibbing, donde su padre tiene un negocio de materiales eléctricos. La vida de comerciante no es el sueño del joven Bob y el ambiente de la población, cuya economía es sobre todo minera, no debe de ser muy atractiva para un adolescente. Dylan descubre muy pronto la música. A los ocho años aprende por sí solo a aporrear el piano y por diez dólares adquiere una guitarra por correo. Escucha la radio todas las tardes y, así descubre la música de Hank Williams y de grupos de color. Es en este preciso momento cuando se enamora de la idea de llegar a ser un héroe del rock and roll, que entonces irrumpe con fuerza entre los jóvenes, y llegar al éxito de Elvis Presley, Carl Perkins o Jerry Lee Lewis.

A su pasión por la música se une también el amor por las motos de gran cilindrada. Cuanto más crece Dylan más se rinde a la necesidad de huir de Hibbing. En 1959 finaliza los estudios secundarios e ingresa en la Universidad de Minnesota, en Minneapolis, la capital estatal. Una de sus asignaturas favoritas es el aprendizaje del idioma español y la historia estadounidense. Allí comienza a escuchar temas de country, rock y a músicos de blues como Robert Johnson.



En vez de frecuentar las lecciones básicas en el ambiente de los intelectuales locales, se dedica a escuchar a cantantes folk y olvida por el momento su gran pasión por el rock'n'roll de Little Richard. Son días intensos para Dylan, que lee muchos libros, muchísima poesía, habla poco, pero escucha atentamente discursos sobre la paz, los derechos de los trabajadores, la enseñanza de una nueva moral… Es en este momento en el que cambia su nombre por el de Bob Dylan, para lo que se inspira en el poeta gales Dylan Thomas como el propio artista reconoce en sus memorias.

Accidente de moto


Un par de meses después de haberse publicado este doble disco, el joven Bob Dylan, con apenas 25 años (pero ya un ídolo multitudinario en Estados Unidos y el Reino Unido, donde sus discos se venden por millones a un ritmo desenfrenado), sufre un misterioso accidente con su Triumph 500 en las cercanías de Woodstock que le aparta de la vida pública. El periodo de reclusión se eterniza: Dylan se vuelve un hombre casero junto a su mujer y sus hijos (tendría cuatro con su esposa Sarah). Pasa días enteros en compañía de sus amigos de The Band tocando y grabando canciones. Las cintas de aquellas despreocupadas grabaciones llegaron a ser los discos piratas más codiciados en el mundo, hasta que en 1975 decide publicarlas oficialmente con el título de The Basement Tapes.


Dylan escribe las canciones que aparecerían en el álbum de su reaparición, 'John Wesley Harding' (1968), y el texto del libro 'Tarántula'. En enero de 1968, se presenta, acompañado de 'The Band', ante el público en el Carnegie Hall de Nueva York, como homenaje a Woody Guthrie, muerto en octubre de 1967. En esta ocasión presenta las canciones de John Wesley Harding, álbum lleno de referencias bíblicas, de sabor country, de visiones oníricas ("All Along the Watchtower"), de símbolos para descubrir.

A continuación nace en Dylan la idea de grabar un álbum de carácter abiertamente country: el resultado definitivo es 'Nashville Skyline', publicado en abril de 1969 y que contiene canciones como "Lay Lady Lay", "Country Pie" y una versión de "Girl from the North Country" cantada a dúo con Johnny Cash.

Últimos años


Durante los 80 y los 90, quizá Dylan publicase algunos de sus peores discos, pero en los últimos años, y después de tener un grave problema de salud, su carrera vuelve a estar en un gran estado de forma. Ha conseguido un Oscar por la canción "Things Have Changed" de la banda sonora de la película Jóvenes prodigiosos y ha publicado los que probablemente estén entre sus mejores álbumes recientes: 'Time Out of Mind' (1997) y 'Love and Theft' (2001), además de participar como guionista y autor de la música del largometraje Masked And Anonymous (2003), de la cual, sin entrar a valorar la calidad cinematográfica de la cinta, se puede decir que incluye versiones de algunos de sus temas clásicos y canciones nuevas, además de versiones tradicionales grabadas por él por primera vez para la ocasión.



Por otro lado, con motivo del estreno de la película de Martin Scorsese 'No Direction Home' ha salido a la venta el álbum 'Bootleg Series, Vol. 7', que contiene la banda sonora de la película.

Por otro lado, la publicación de los dos primeros volúmenes de sus memorias, tituladas Chronicles ("Crónicas") ha supuesto todo un acontecimiento literario.


Cosas que ha dicho Bob Dylan


"Yo sólo soy Bob Dylan cuando tengo que ser Bob Dylan. La mayor parte del tiempo quiero ser yo mismo. Bob Dylan nunca piensa sobre Bob Dylan. Yo no pienso en mí mismo como Bob Dylan. Es como dijo Rimbaud: Yo soy el otro" (Biograph, 1985).

"Si no tuviera dinero, podría ir de un lado a otro siendo invisible. Pero actualmente me cuesta dinero ser invisible. Es la única razón por la que necesito dinero" (A Robert Shelton, 1966).



"Yo no tengo esperanzas de futuro y sólo espero tener suficientes botas para cambiarme" (San Francisco, 3 de diciembre de 1965).

"Nadie es libre. Hasta los pájaros están encadenados al cielo" (1963).

"¿Que cuál es mi mensaje? Ten buena cabeza y lleva contigo una bombilla" (Rueda de prensa, bromeando con una bombilla enorme en la mano, Londres, 1965).

"La muerte no llama a la puerta. Está ahí, presente en la mañana cuando te despiertas. ¿Te has cortado alguna vez las uñas o el pelo? Entonces ya tienes la experiencia de la muerte" (Malibú, enero de 1978).

"Yo no tengo una voz bonita. Yo no sé cantar bonito, y además no quiero" (lugar y fecha desconocidos).

Compartir:

Folk Rock



El folk rock, en un sentido amplio, es un género musical que combina elementos de la música folk, el blues y el rock. Sin embargo, el término se suele usar preferentemente, aunque no exclusivamente, en referencia a la música de fusión surgida en los Estados Unidos y Reino Unido, a mediados de los años sesenta, resultado de la incorporación de elementos del rock, sobre todo del rock de la Costa Oeste, y especialmente en el terreno instrumental y rítmico, a la música de tradición folclórica local. Algunos autores denominaron este género folk pop. En muchos aspectos, el folk-rock se solapa con otras denominaciones aplicadas a fusiones de música tradicional estadounidense y rock, como es el caso del country rock o del llamado rock sureño.
Los ejemplos de fusión de rock o pop y música folclórica de otros lugares del mundo u otras culturas suelen recibir denominaciones más específicas (zydeco, celtic fusion, world music, etc.), aunque la etiqueta "folk rock" se aplicó también, de forma usual, a la música de los grupos británicos de esa misma época.

Origen

La iconografía tradicional del folk rock sitúa el nacimiento del género en el giro dado por Bob Dylan a su música en el Festival de Newport de 1965, en coincidencia con el triunfo de las propuestas discográficas de The Byrds, pero esto no deja de ser un convencionalismo. En realidad, el proceso se había iniciado a finales de la década de 1950, con la fuerte evolución sufrida por el bluegrass, las innovaciones que fueron consolidándose a través del Grand Ole Opry y la aparición de grupos de gran proyección popular entre los jóvenes. En cualquier caso, para el último tercio de la década de 1960, el folk rock aparece ya como un estilo consolidado, tanto en Estados Unidos como en Reino Unido.

El 25 de julio de 1965 se celebró en Rhode Island, Estados Unidos, el Newport Folk Festival. La actuación de Bob Dylan en el evento pasó a la historia por haber dado origen al género musical folk rock. El festival se había llevado a cabo en 1963 y 1964. En ambas ocasiones, las presentaciones de Dylan tuvieron una excelente repercusión. Pero en 1965, el legendario músico decidió introducir una modificación a su show: en lugar de utilizar únicamente instrumentos acústicos, como en el folk tradicional, fue acompañado por miembros del grupo Paul Butterfield Blues Rock Band que tocaron instrumentos eléctricos (guitarra y teclados, entre otros). La novedad causó un impacto negativo tanto entre el público más tradicionalista como en los organizadores del festival de Newport. Sin embargo, el acto revolucionario de Dylan marcó el inicio de un nuevo género musical, al que posteriormente se sumaron gran cantidad de músicos.


Evolución del género

El primer grupo que se encaminó por esta vía fue el Kingston Trio, que ya consiguió una gran proyección hacia 1957, con su versión "pop" del tema "Tom Dooley", que vendió tres millones de unidades. Tras ellos, grupos como como los New Lost City Ramblers, The Weavers, Peter, Paul & Mary o Scottsville Squirrel Barkers, grupo éste que incluía a músicos tan esenciales como Chris Hillman o Bernie Leadon, fueron derivando desde posiciones más puramente folkies hacia planteamientos cercanos a la música pop.
El gran paso hacia la concienciación del folk-rock como género, como ya se ha dicho, se dio con los arreglos claramente eléctricos de The Byrds y Bob Dylan, a partir de 1965. Esta denominación se popularizó en todo el mundo en 1965, cuando la banda californiana The Byrds grabó una versión de la canción "Mr. Tambourine Man" de Bob Dylan. En ella, el grupo angelino utilizaba los juegos de voces característicos del pop junto con cristalinas guitarras eléctricas, sobre la base de la canción de Dylan. Este nuevo sonido hizo que el cantautor estadounidense realizara un giro eléctrico a su música, aportándole elementos pop y rock. Así, cuando en el Newport Folk Festival de 1965, Bob Dylan utilizó la guitarra eléctrica y una banda de acompañamiento, el público le abucheó clamorosamente.

Hay que recordar que, en aquella época, el folk en Estados Unidos era un vehículo para expresar la crítica y el descontento con la sociedad establecida y muy especialmente con la guerra de Vietnam. Prueba de ello eran las reivindicativas letras de sus dos máximos exponentes en ese momento: Joan Baez y el propio Bob Dylan. El público folk estaba formado fundamentalmente por activistas de izquierda y universitarios progresistas, que consideraban al rock y el pop como géneros superficiales y poco comprometidos.
Paralelamente, ya en la segunda mitad de los años sesenta, en Gran Bretaña, algunos grupos de formación pop asumieron la tradición de la música medieval inglesa, como es el caso de Pentangle o Fairport Convention, cuyo bajista Ashley Hutchings fundó otro ícono del folk-pop británico, Steeleye Span. Junto a ellos, otros músicos investigaron en la tradición celta, estableciendo su propia vía de desarrollo, diferenciada de la anterior.
Con la llegada de los años setenta, el género se asentó con grupos como Country Joe & The Fish, Buffalo Springfield, Eagles y otros, evolucionando de forma paralela al country rock.


Características

El resultado sonoro se resume en apretadas armonías vocales y una instrumentación relativamente "limpia", es decir, sin demasiados efectos de distorsión o de pedales para los instrumentos eléctricos. Dylan incorporó como fórmula característica en sus arreglos el piano interpretado al estilo Country ("Just like Tom Thumb´s blues"), o Gospel (Like a Rolling Stone), y -muy destacadamente- el órgano Hammond, un instrumento tradicionalmente usado en templos e iglesias de todos los cultos en Estados Unidos. Asimismo, también mantuvo en sus interpretaciones "eléctricas" el uso de la Armónica diatónica, instrumento de viento de sencilla construcción muy claramente identificado con el folk y el blues. La presencia de estos instrumentos se tornó habitual en los arreglos de numerosos artistas del género, dotándolo de una sonoridad muy característica y representativa de la música rock con raíces tradicionales. El repertorio se tomó, en parte, de fuentes populares, pero esencialmente se utilizaron composiciones propias de los artistas, realizadas con estructuras y melodías con claras reminiscencias del folk escocés, británico e irlandés, que fueron las fuentes originales del folclore estadounidense, y en especial del bluegrass.



Compartir:

5 mejores canciones de Rock Surf en México


El rock surf en México


Nació a finales de los cincuenta como una burda copia de lo que se practicaba en Estados Unidos, por lo tanto, no es de extrañar que cuando la música surf emergió en las playas de California en 1961, de inmediato se buscó a bandas nacionales que interpretaran los primeros éxitos del género. Por desgracia, esos pininos no tuvieron el éxito esperado y fue hasta la década de los noventa, gracias al efecto Pulp Fiction, que la música surf renació en nuestro país, al grado de que en la actualidad, la tóxica capital mexicana es considerada como la ciudad con más bandas de este género en todo el mundo, además de que se acuñó a las máscaras de lucha libre como un elemento de esta cultura musical. Nada mal para un lugar que ni siquiera tiene playas naturales.


Pero para empezar, ¿qué es la música surf? La definición más sencilla es que se trata de rock & roll principalmente instrumental (aunque no obligatoriamente) caracterizado por el uso de reverb en las guitarras eléctricas, con lo que se busca imitar el sonido de las olas del mar.

Los primeros intentos de bandas de este género que surgieron en nuestro país fue por petición explícita de productores que buscaban igualar los éxitos que grupos como The Beach Boys, The Trashmen y Dick Dale & The Del-Tones tuvieron en nuestro vecino país del norte, así que en realidad los músicos mexicanos jamás conocieron sus orígenes playeros y ni siquiera habían montado una tabla de surf en su vida.

1.Los Mabbers – "Suicida" (Del disco Surfin Con Los Mabbers, 1962)


Aunque en México antes hubo grupos que incursionaron en el género instrumental como Los Locos del Ritmo, Los Weelers y Javier Batiz & His Famous Finks, la primera banda que se preocupó por acercarse al sonido original de las guitarras reverberadas, los rítmicos teclados y las referencias a la playa, fue la capitalina Los Mabbers, que estuvo en activo entre 1962 y 1964. No eran un conjunto completamente instrumental pues tenían un cantante llamado Baltazar Mena, pero dentro de sus pocos temas sin voz destaca la melódica "Suicida". Posterior a su separación, algunos de sus integrantes conformaron Los Surfin's, otro esporádico grupo que ligeramente incursionó en el rock instrumental.



2.Los Matemáticos – "El Salto del Mono" (Del disco Go Go En Rojo, 1967)


Tamaulipas fue un importante generador de bandas mexicanas de rock & roll en los sesenta y una de las más destacadas fue Los Matemáticos, un sexteto que se caracterizó por tener al frente a Juan Garza, posteriormente conocido como Juan El Matemático, quien después se uniría al popular programa regiomontano de televisión Muévanse Todos, conducido por Vianey Valdez. En 1967 lanzaron el álbum Go Go En Rojo que contiene el tema instrumental "El Salto del Mono", que aunque no es del todo música surf, incluye un impecable saxofón como muy pocas veces se ha escuchado en una composición nacional.


 
3.Los Esquizitos – "Lancha Con Fondo De Cristal" (Del disco Los Esquizitos, 1998)


Los Esquizitos es una banda con un sonido único y distintivo gracias a que se alimenta de diversas fuentes. Conformada por cuatro especímenes en apariencia completamente distintos, al final lo que los unió fue su pasión por la música sin importan su género o etiqueta. Han tenido diversas etapas musicales aunque en un inicio estuvieron marcados por los sonidos instrumentales, lo que se reflejó en el tema abridor de su primer álbum y que tal vez se trate de su única composición que de verdad se adentra en la translúcida música surf.



4.Lost Acapulco – "Ven Perrita" (Del disco 4, 1998)


Cierto, algunos años antes algunos grupos mexicanos de culto como Los Sicóticos y La Suciedad de las Sirvientas Puercas llegaron a interpretar covers de temas clásicos de música surf, pero fue más en plan broma que algo que se tomaran en serio. Tuvieron que transcurrir tres décadas para que una banda mexicana decidiera practicar de nueva cuenta la música surf, aunque con la enorme diferencia de que ellos sí conocían a fondo el género y no lo hicieron por imposición de algún productor o con la intensión de refritear los éxitos estadounidenses del momento. Un viaje a las playas de Acapulco fue el detonante para que tres mexicanos y un valenciano, vestidos de lancheros –las máscaras de luchador llegarían después–, dieran a luz un álbum que cimentó buena parte de lo que actualmente se conoce como música surf mexicana.



5.Sr. Bikini – "Saca La Chela" (Del disco Surf Extremo, 2004)


Si existe una banda de música surf en México que ha logrado imponer un estilo y ha sido copiada hasta el cansancio es Sr. Bikini. Originalmente un power trío enmascarado con un energético sonido que se encuentra en la frontera del punk rock. Su primer álbum es un clásico que ha sido la puerta de entrada de muchos adeptos a este género; sin embargo, los años han mermado en el grupo y desde hace tiempo cayeron en un bache creativo del que parece no han podido reponerse. Además, de forma involuntaria, son los precursores en nuestro país de combinar la música surf con ritmos como la cumbia.


Compartir:

7 mejores grupos de música Surf


Música surf

Es un género de música popular asociado con la cultura del surf, en particular, del Condado de Orange y otras áreas del sur de California. Fue particularmente popular entre 1961 y 1965, posteriormente se recuperó y fue muy influyente en la música rock.

El surf como género, con referencias al sol y la arena, las carreras de coches trucados y los bólidos y, de un modo menos directo, al sexo, era una música californiana que sirvió de banda sonora para las películas playeras de la época, así como de documentales como The Longest Wave o Crystal Voyager, que celebraban el surf y el estilo de vida asociado a este deporte.


Se pueden considerar dos tendencias principales: el surf rock, instrumental en gran medida, con una guitarra eléctrica o un saxofón tocando la melodía principal, representada por primera vez por artistas como Dick Dale and The Del-Tones, y el pop surf vocal, que incluye baladas y música de baile, a menudo con armonías fuertes que son asociadas principalmente con The Beach Boys. Muchas bandas de surf notables han destacado tanto por el surf instrumental como por el pop surf, de modo que la música surf se suele considerar como un solo género a pesar de la variedad de estos estilos.

Las bandas sonoras de nuestro surf

El surf no acaba al salir del agua. La cultura surf se extiende más allá del mar, del salitre y de la playa. Cuando el surfista se aleja de la playa esa cultura surf le acompaña en su forma de vestir, en el maletero de la furgo y también por qué no, en la música que escucha. Hoy queremos hacer un repaso a los grupos de música y bandas surf-rock más conocidas:

1. The Beach Boys

Como no, empezamos con los Beach Boys. Su música pegadiza y bailonga ha acompañado a distintas generaciones desde que sonaran sus primeros acordes en 1961. La banda californiana, tuvo un enorme éxito y se ha consolidado como una de las bandas de rock y pop más influyentes de la historia. Ligadas a la cultura surf, algunas de sus canciones son auténticos himnos de lo que podríamos conocer como estilo surf rock. Es el caso de la canción “Surfin U.S.A”.



2. The Trashmen

Los chicos de “The Trashmen” hicieron bailar a muchísima gente también en los años 60. De hecho, posiblemente los años 60 sean la época dorada para los amantes de la música surf. A pesar de ser originarios de Minnesota, que no tiene playa, seguro que más de una vez habrás escuchado alguno de sus temas. Como “Surfing’ Bird”. Con esta canción el grupo se colocó en el Top 5 de las listas americanas.

A continuación, os dejamos otro de sus temazos “Bird Dance Beat”.



3. Sublime

Desde Long Beach, California, llegaban los chicos de “Sublime”. Un grupo entre punk, reggae y hip hop, que encajaba perfectamente con la cultura surf. Se hicieron conocidos en los años 90. En 1996 tras la muerte de su vocalista la banda se disolvía. En el camino nos dejaron grandes temas como “Santeria” o “Badfish”. Ambas canciones perfectas para después de una buena sesión de surfing.



4. Dick Dale & his Del-Tones

Dick Dale es el principal impulsor de la música surf. El músico americano se autoproclamó como “rey de la guitarra” y la verdad es que fue un auténtico éxito durante los años 60. Una de sus canciones “Miserlou” se hizo famosa al formar parte de banda sonora de la película “Pulp Fiction”. Sin duda, uno de los grupos de música surf obligatorios para todos los amantes de este deporte.



5.Midnight Oil

Los “Midnight Oil” nacieron en los años 70 en Australia. Ligados a la cultura surf, son otro de los grupos de música surf más conocidos de la historia.



6. The Ventures

The Ventures es otra banda de surf rock que no podía faltar en nuestra lista. Formada en Washington en 1958 se hizo conocida por canciones como “Walk Don’t Run” o ‘’Wipe Out”, el tema de la película de James Bond 007. Con más de 100 millones de discos vendidos a nivel mundial han influido en muchos grupos de rock y de surf.



7. The Surfaris

The Surfaris son otra de esas bandas de rock míticas ligadas a la cultura surf. Formada en California en 1962 se hicieron especialmente conocidos por dos canciones. “Surfer Joe” y “Wipe out”. Ambos temas se convirtieron en éxitos de nivel internacional.


Compartir:

Sígueme en mis Redes

  • Tiempo

    El tiempo - Tutiempo.net

    Hora

    plantillas curriculum vitae

    Entrada destacada

    Definición de "Música".

    Música Una corta definición sobre lo que es la música. La música es, según la definición tradicional del término, el arte de organizar ...

    Fecha

     
    Cool Blue Outer Glow Pointer