Post Malone

Post Malone es un rapero, escritor, productor de discos y guitarrista estadounidense. Se trata sin duda deuna de esas estrellas que ha sacado ventaja de los medios digitales para exponer al mundo a su música.

La fama de Malone es reciente. Se hizo famoso en febrero de 2015, después de lanzar su sencillo debut titulado «White Iverson». En agosto de ese mismo año consiguió su primer contrato discográfico con Republic Records. Y en diciembre de 2016 el artista lanzó su primer álbum de estudio titulado “Stoney”.

Infancia

Post Malone, cuyo nombre de pila es Austin Richard Post, nació el 4 de julio de 1995, en Siracusa, una ciudad ubicada en el centro del estado de Nueva York. Cuando tenía 10 años se mudó junto a su familia a Dallas, en Texas, en donde vivió hasta que terminó la escuela secundaria.

De pequeño Malone fue aficionado al deporte. Le gustaba jugar básquetbol y ver deportes en la televisión. Quizá su padre tuvo una influencia en sus gustos, ya que este trabajaba con los Dallas Cowboys o los Vaqueros de Dallas, como se les conoce en español.

El padre de Malone era el director auxiliar de la comida y la bebida del equipo. Y por ello el artista siempre tuvo acceso para conseguir comida y tickets gratis para ver los juegos del conocido equipo de fútbol americano.

Primeros pasos en la música

Pero los deportes no eran la única afición del rapero. El artista comenzó a tocar guitarra y a audicionar para la banda Crown the Empire en 2010. Sin embargo, Malone fue rechazado para formar parte de este grupo de post-hardcore luego de que las cuerdas de su guitarra se rompieran durante la audición.

Su interés inicial por aprender a tocar guitarra comenzó a los 14 años cuando empezó a jugar con el popular videojuego Guitar Hero. A partir de ese momento el artista comenzó una etapa aprendizaje autodidacta en el campo de la producción musical.

Y lo hizo gracias a YouTube y al programa de edición de audio FL Studio. El artista llegó a confesar que su amor por la música se lo debe a su padre, quien siempre lo expuso a todo tipo de géneros, incluyendo el country.

Primeros trabajos

Con 16 años comenzó a trabajar en su primer mixtape independiente, mientras estaba en una banda de hardcore con algunos amigos. Tras completar ese trabajo musical, el artista se los mostró a sus compañeros de clases y eso lo hizo ganar popularidad en la escuela.

El artista confesó que aunque a todos les gustó y él también creía que era muy bueno, lo cierto es que fue “horrible”. El rapero afirmó que para aquel momento no tenía identidad como artista.

Malone se graduó de secundaria en la escuela Grapevine High School. Después de eso se matriculó en el Tarrant County College porque sus padres querían que estudiara. Sin embargo, terminó abandonando el instituto unos pocos meses después de haber comenzado.

Su carrera musical

La carrera musical de Post Malone comenzó como la mayoría de los artistas: arriesgándose. El cantante estaba seguro de que su futuro estaba en la música, por ello al dejar el instituto decidió ir a perseguir su sueño.

Para ello dejó Texas junto a su amigo de toda la vida, Jason Stokes, y se mudaron a Los Ángeles, California. Estando en la ciudad de las estrellas, solo era cuestión de tiempo de que llegara su gran oportunidad.

Los primeros meses en la ciudad lo ayudaron a adaptarse a su nueva vida. Y ese momento por medio de un amigo en común conoció al famoso dúo de productores FKi, formado por 1st y Raye Rich. Poco después comenzaron a hacer música.

White Iverson

La primera colaboración exitosa entre los artistas fue “White Iverson”, un tema que hace referencia -en parte- al jugador de básquetbol profesional Allen Iverson. Según confesó el artista posteriormente, la canción la escribió dos días antes de grabarla.

En febrero de 2015 el tema estuvo listo y fue subido a la cuenta de SoundCloud de Post. La canción fue un completo éxito en la plataforma. Por ello, para julio de ese mismo año el artista lanzó el vídeo musical de “White Iverson”.

Esto aumentó el número de reproducciones en SoundCloud, llegando a acumular un promedio de 10 millones de reproducciones al mes. El vídeo, por su parte, ha obtenido más de 205 millones de visitas desde su lanzamiento.

Otros sencillos

Tras su éxito con el tema “White Iverson”,  Post ha lanzado otros sencillos en SoundCloud que también han tenido un buen recibimiento por parte de la audiencia.

Entre estos temas están «Too Young», «Patience», «What’s Up» y «Tear$». Todas estas canciones han tenido casi el mismo nivel de popularidad entre el público.

Después del rotundo éxito que tuvo con su primer tema, Malone obtuvo rápidamente la atención de las discográficas. Por ello, en agosto de 2015 firmó su primer contrato de grabación con el  sello discográfico Republic Records.

Su trabajo con otros artistas reconocidos

Republic Records

El éxito de “White Iverson” le abrió las puertas del mundo de la música a Post Malone. Gracias a ese hit no solo obtuvo su contrato de grabación con Republic Records, sino que también le ha valido para codearse con grandes estrellas.

Hasta los momentos, el artista ya cosecha una modesta pero importante lista de colaboraciones con grandes de la música como 50 Cent, Young Thug, Kanye West, entre otros.

Kanye West

La oportunidad de trabajar con Kanye West llegó en el momento en el que actuó en la celebración del cumpleaños de la socialité y celebrity  Kylie Jenner. Fue allí donde conoció al famoso y controvertido rapero, quien se le acercó para decirle que le gustaba su música y que deberían hacer algo juntos.

Malone confesó lo nervioso y presionado que se sentía al saber que entraría a un estudio de grabación con Kanye y Ty Dolla $ign. Pero para la suerte de Post, todo salió a la perfección. Los artistas trabajaron juntos y el resultado fue el track titulado “Fade”, el cual fue estrenado en exclusiva durante la presentación de ‘Yeezy Season 2’, el desfile de la colección de Kanye West.

Colaboración con Justin Bieber

Otra de las estrellas con las que Malone ha tenido la oportunidad de codearse ha sido con el canadiense Justin Bieber. Los cantantes se hicieron amigos y este vínculo le permitió al rapero convertirse en uno de los teloneros de la gira Purpose World Tour de Bieber.

Además, Justin colaboró con uno de los temas del primer álbum de estudio del cantante, “Stoney”. El tema se llama «Deja Vu» y fue lanzado en Internet a principios de septiembre de 2016.

En mayo, el artista lanzó su primer mixtape titulado “August 26th”. El nombre fue una referencia a la fecha programada para el lanzamiento de su álbum debut “Stoney”, el cual presento un retraso. En junio de 2016, Malone hizo su debut en televisión nacional en el programa Jimmy Kimmel Live! interpretando el tema “Go Flex” estrenado en abril.

Stoney, su primer álbum de estudio

Después de haber sido pospuesto su lanzamiento, el primer álbum de estudio de Post Malone finalmente vio la luz el 9 de diciembre 2016. El disco ha sido titulado “Stoney” y ha sido producido por el sello discográfico Republic Records.

Este álbum incluye 14 temas y cuenta con la participación especial de estrellas como Justin Bieber, 2 Chainz, Kehlani y Quavo. Además, cuenta con el trabajo de producción de Metro Boomin, FKi,  Vinylz, The MeKanics, Frank Dukes, Illangelo, entre otros más.

El disco cuenta con el apoyo de cuatro sencillos: «White Iverson», «Too Young», «Go Flex» and «Deja Vu» junto a Justin Bieber. El sencillo promocional de álbum es «Congratulations», un tema del rapero que cuenta con la colaboración de Quavo.

Este tema fue lanzado el 4 de noviembre. El segundo sencillo promocional fue “Patient», lanzado el 18 de noviembre. Y el tercero y último sencillo fue «Leave», estrenado el 2 de diciembre.

Tras el lanzamiento, el disco recibió comentarios positivos por parte de la crítica. Algunos dijeron que en comparación con el sencillo debut de Malone, «White Iverson», “Stoney” continuaba con ese estilo, aunque no tenía el mismo nivel de inventiva y sorpresa que esa pista.

El álbum también fue calificado como «competente y escuchable’. Sin embargo, se dice que muchos ya han transitado este mismo camino y no siempre les ha ido bien. Los críticos coinciden en que ciertamente a Malone le queda mucho camino por recorrer antes de destacarse con un estilo único. Pero hay probabilidades de que logre cosas buenas con este disco.

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Mozart

Johannes Chrysostomus Wolfgangus Theophilus Mozarta​ (Salzburgo, 27 de enero de 1756-Viena, 5 de diciembre de 1791), más conocido como Wolfgang Amadeus Mozart o simplemente Mozart, fue un compositor y pianista del antiguo Arzobispado de Salzburgo (anteriormente parte del Sacro Imperio Romano Germánico, actualmente parte de Austria), maestro del Clasicismo, considerado como uno de los músicos más influyentes y destacados de la historia.

La obra mozartiana abarca todos los géneros musicales de su época e incluye más de seiscientas creaciones, en su mayoría reconocidas como obras maestras de la música sinfónica, concertante, de cámara, para fortepiano, operística y coral, logrando una popularidad y difusión internacional.

En su niñez más temprana en Salzburgo, Mozart mostró una capacidad prodigiosa en el dominio de instrumentos de teclado y del violín. Con tan solo cinco años ya componía obras musicales y sus interpretaciones eran del aprecio de la aristocracia y realeza europea. A los diecisiete años fue contratado como músico en la corte de Salzburgo, pero su inquietud le llevó a viajar en busca de una mejor posición, siempre componiendo de forma prolífica. Durante su visita a Viena en 1781, tras ser despedido de su puesto en la corte, decidió instalarse en esta ciudad donde alcanzó la fama que mantuvo el resto de su vida, a pesar de pasar por situaciones financieras difíciles. En sus años finales, compuso muchas de sus sinfonías, conciertos y óperas más conocidas, así como su Réquiem. Las circunstancias de su temprana muerte han sido objeto de numerosas especulaciones y elevadas a la categoría de mito.

Familia e infancia

Casa natal de Mozart, en la calle Getreidegasse n.º 9, Salzburgo.

Véanse también: Anexo:Familia Mozart y Mozart y la viruela.

Wolfgang Amadeus Mozart nació el 27 de enero de 1756 en Salzburgo, en la actual Austria, que en esa época era un arzobispado independiente del Sacro Imperio Romano Germánico. Fue el último hijo de Leopold Mozart, músico al servicio del príncipe arzobispo de Salzburgo. Leopold era el segundo maestro de capilla en la corte del arzobispo aunque fue un experimentado profesor. Su madre se llamaba Anna Maria Pertl. Debido a la altísima mortalidad infantil en la Europa de la época, de los siete hijos que tuvo el matrimonio sólo sobrevivieron Maria Anna, apodada cariñosamente Nannerl, y Wolfgang Amadeus. Fue bautizado en la catedral de San Ruperto el día después de su nacimiento con los nombres de Joannes Chrysostomus Wolfgangus Theophilus Mozart; a lo largo de su vida firmaría con diversas variaciones sobre su nombre original, siendo una de las más recurrentes «Wolfgang Amadè Mozart».

La casa natal de Mozart se encuentra en la Getreidegasse de la ciudad de Salzburgo. Se trata de una casa que actualmente cuenta con una gran cantidad de objetos de la época e instrumentos que pertenecieron a Mozart durante su niñez. Es uno de los lugares más visitados de Salzburgo y una especie de santuario para músicos y aficionados a la música de todo el mundo.

Leopold componía y daba clases de música. El año del nacimiento de Wolfgang publicó un exitoso tratado para la interpretación del violín titulado Versuch einer gründlichen Violinschule. Después del nacimiento de Wolfgang abandonó todo, salvo las tareas propias de su cargo, para dedicarse de manera exclusiva a la formación de su hijo. Fue exigente como padre y como profesor y en todo momento estuvo al tanto de la formación de Wolfgang, para guiarlo como hombre y como artista.

Primeros años en Viena

La nueva carrera de Mozart en Viena tuvo un buen comienzo. A menudo realizaba interpretaciones como pianista, destacando en una competición ante el Emperador con Muzio Clementi el 24 de diciembre de 1781 y pronto se «consolidó como el mejor intérprete de teclado de Viena».39​ También prosperó como compositor y en 1782 completó la ópera El rapto en el serrallo (Die Entführung aus dem Serail, KV 384), que fue estrenada el 16 de julio de ese mismo año y obtuvo una enorme aclamación. Además daría inicio al género operístico conocido como singspiel u ópera alemana, en un momento en que el italiano era el idioma más habitual para la ópera. La obra fue pronto interpretada «a través de la Europa de habla germana»​ y consolidó plenamente la reputación de Mozart como compositor. Como anécdota, el emperador José II comentó al final del estreno de la ópera: «Música maravillosa para nuestros oídos, verdaderamente creo que tiene demasiadas notas», a lo que el compositor contestó: «Exactamente, ¿cuántas son menester?».

A pesar de que Mozart aún no lograba su madurez y profundidad definitiva, en esta obra se expresa quizá por primera vez la dimensión dramática que se aprecia en las posteriores óperas del compositor de Salzburgo. Esta ópera le dio a Mozart el mayor éxito teatral que conocería en vida.

En la época en la que sus disputas con el arzobispo Colloredo estaban en su punto más álgido, Mozart se trasladó con la familia Weber, que se habían mudado a Viena desde Mannheim. El padre, Fridolin, había fallecido y el resto de la familia acogía ahora huéspedes como medio para subsistir.41​ Tras su fracaso sentimental con Aloysa Weber, que estaba ahora casada con el actor Joseph Lange, encontró consuelo en Constanze, la hermana menor. Pero sabía que su padre Leopold no apreciaba a esa familia puesto que, no sin razones, creía que estos (fundamentalmente la madre) querían aprovecharse del éxito de su hijo. Sin embargo, hay suficientes antecedentes de que Constanze amaba verdaderamente a Mozart y nunca compartió las maquinaciones de su madre. Como el consentimiento de su padre era fundamental para Mozart, quiso viajar a Salzburgo para presentarle formalmente a la novia, pero varios eventos postergaron el temido viaje para enfrentarse a su progenitor.

Finalmente, el 4 de agosto de 1782, sin el consentimiento paterno, Wolfgang Amadeus y Constanze se casaron en Viena.42​ Para celebrar la unión y para calmar a su padre, Mozart compuso la inconclusa Gran misa en do menor (KV 427). Pensaba estrenarla en Salzburgo con Constanze como primera soprano solista. Sólo pudo hacerlo en agosto de 1783, pero no consiguió su objetivo. Deseaba demostrar a su familia que había sabido elegir, pero Leopold y Nannerl jamás terminarían de aceptar a Constanze. En el contrato de matrimonio, Constanze «asigna a su prometido quinientos florines que [...] ha prometido aumentar después con mil florines», «para poder sobrevivir» con el total. Además, todas las adquisiciones conjuntas durante el matrimonio debían ser propiedad común de ambos.43​ El matrimonio tuvo seis hijos: Raimund Leopold (17 de junio de 1783-19 de agosto del mismo año), Karl Thomas Mozart (21 de septiembre de 1784-31 de octubre de 1858), Johann Thomas Leopold (18 de octubre de 1786-15 de noviembre de ese año), Theresia Constanzia Adelheid Friedericke Maria Anna (27 de diciembre de 1787-29 de junio de 1788), Anna Maria (25 de diciembre de 1789, fallecida poco después de su nacimiento) y Franz Xaver Wolfgang Mozart (26 de julio de 1791-29 de julio de 1844), de los cuales sólo dos sobrevivieron, Karl Thomas y Franz Xaver Wolfgang.

Durante los años 1782 y 1783 conoció profundamente la obra de Georg Friedrich Händel y Johann Sebastian Bach a través del barón Gottfried Van Swieten, un coleccionista y aficionado musical que tenía en su poder una biblioteca con gran cantidad de obras de compositores barrocos. Entre las obras que estudió se encontraban los oratorios de Händel y El clave bien temperado de Bach. Mozart asimiló los modos de composición de ambos, fusionándolo con el propio, dando a la mayoría de las obras de este período un toque contrapuntístico, apreciable en las transcripciones que hizo de algunas fugas de El clave bien temperado KV 405, las fugas para piano KV 394, KV 401 y KV 426 (esta última transcrita luego para cuerdas con el número de catálogo KV 546). Pero, sobre todo, se puede apreciar la influencia de Händel y Bach en los pasajes de fuga de La flauta mágica y el final de la Sinfonía Júpiter. El estudio de estos autores fue para Mozart tan importante que llegó a realizar arreglos para obras como El Mesías (KV 572) o Alexander's Feast (KV 591), ambos oratorios de Händel.

Enfermedad final y fallecimiento

La salud del compositor empezó a declinar y su concentración disminuía. Mozart se sintió enfermo durante su estancia en Praga el 6 de septiembre durante el estreno de su ópera La clemenza di Tito (KV 621), compuesta en ese año como un encargo para los festejos de la coronación de Leopoldo II como emperador.64​ La obra fue acogida con frialdad por el público. Al regresar a Viena, Mozart se puso a trabajar en el Réquiem y preparó, en compañía del empresario teatral y cantante Emanuel Schikaneder, los ensayos de La flauta mágica. Esta se estrenó con enorme éxito el 30 de septiembre, con el propio Mozart como director.

Por entonces Mozart escribió el Concierto en la mayor para clarinete (KV 622), compuesto para el clarinetista Anton Stadler. En octubre su salud empeoró; caminaba con su esposa por el Prater cuando de pronto se sentó en un banco y muy agitado comentó a Constanze que alguien lo había envenenado. El 20 de noviembre la enfermedad se intensificó y cayó postrado en cama, sufriendo hinchazón, dolores y vómitos.65​

Monumento a Mozart

Mozart recibió los cuidados de su esposa Constanze y su hermana menor Sophie durante su enfermedad final y fue atendido por el doctor Nicolaus Closset. Es un hecho probado que estaba mentalmente ocupado en la finalización de su Réquiem. Sin embargo, las evidencias de que realmente dictara pasajes a su discípulo Franz Xaver Süssmayr son muy remotas.

El 5 de diciembre de 1791, aproximadamente a la medianoche, llegó el doctor Closset de la ópera y ordenó que le pusieran compresas frías de agua y vinagre sobre la frente para bajarle la fiebre (a pesar de que Sophie se mostró reacia a hacerlo, puesto que pensaba que no sería bueno para el enfermo el cambio tan brusco de temperatura). Esto hizo tanto efecto en él que perdió el conocimiento y no volvió a recuperarse hasta su muerte. Según Sophie, los últimos suspiros de Mozart fueron «como si hubiera querido, con la boca, imitar los timbales de su Réquiem».

A las doce y cincuenta y cinco minutos de la madrugada, Mozart falleció en Viena a la edad de 35 años, 10 meses y 8 días, y su funeral tuvo lugar en la Catedral de San Esteban (donde anteriormente se había casado con Constanze), el día 6 de diciembre. Fue amortajado según el ritual masónico (manto negro con capucha).

Hipótesis sobre su muerte

La inesperada y misteriosa muerte de Mozart ha suscitado gran interés desde el principio. En el acta de defunción oficial constaba que el compositor austriaco había fallecido a causa de una hitziges Frieselfieber («fiebre miliar aguda», refiriéndose a una erupción cutánea parecida a semillas de mijo), una descripción que no basta para identificar la causa en la medicina moderna y que es demasiado amplia e inexacta, ya que no se llevó a cabo la autopsia debido al avanzado estado de descomposición en que se encontraba el cadáver.

Se han propuesto una multitud de teorías sobre la muerte del compositor, incluyendo triquinosis, gripe, envenenamiento por mercurio y un extraño achaque en el riñón. La práctica de sangrías en los pacientes era común en la época y también se cita como un posible factor que contribuyera a su muerte. Sin embargo, la versión más ampliamente aceptada es la muerte por una fiebre reumática aguda. Es conocido que tuvo tres o incluso cuatro ataques desde su infancia y esta enfermedad es recurrente, con consecuencias incrementalmente más serias en cada ataque, como una infección descontrolada o daño en las válvulas cardiacas.

Aspecto físico y personalidad

Retrato inacabado 72​ de Mozart a la edad de 26 años, realizado por su cuñado Joseph Lange en 1782. Este retrato es considerado por los historiadores como el más fiel a la imagen de Mozart.

El aspecto físico de Mozart fue descrito por el tenor Michael Kelly, en sus Reminiscencias como «un pequeño hombre notable, muy delgado y pálido, con una prominente cabellera de cabellos claros, por la que se mostraba muy vanidoso». Como escribió Franz Xaver Niemetschek, uno de sus primeros biógrafos, «no había nada especial en [su] físico. [...] Era pequeño y su semblante, excepto sus ojos grandes e intensos, no mostraba ningún signo de su genio». Su tez facial estaba picada, una secuela de la viruela que sufrió en su niñez. Le gustaba la ropa elegante; Kelly lo recordó en un ensayo de la siguiente forma: «Estaba sobre el escenario con su pelliza carmesí y su bicornio con encajes de oro, dando el tempo de la música a la orquesta». Por su lado, Constanze escribió más tarde que «era un tenor, bastante suave en la oratoria y delicado en el canto, pero cuando algo lo excitaba, o era necesario esforzarse, era tan poderoso como enérgico».

Por lo general Mozart trabajaba durante mucho tiempo y con energía, terminando composiciones a un gran ritmo debido a los ajustados plazos. A menudo hacía bosquejos y esbozos aunque, a diferencia de Ludwig van Beethoven, no se han conservado ya que Constanze los destruyó después de su muerte.

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Ludwig van Bethoveen

¿Quién fue Beethoven? (Biografía resumida)

Introducción

Ludwig van Beethoven (nació el 16 de diciembre de 1770 y murió el 26 de marzo de 1827, a los 56 años) fue un célebre compositor y pianista alemán conocido por obras musicales como: «Para Elisa», «Claro de Luna» o su «Novena Sinfonía» (cuyo cuarto movimiento está basado en la famosa «Oda a la Alegría»; punto 3, minuto 44:45).

 Biografía resumida de beethoven

Beethoven nació el 16 de diciembre de 1770 en la ciudad de Bonn, al oeste de Alemania. Allí, durante sus primeros años de vida, estuvo expuesto a una exigente formación musical por parte de un padre obsesionado en convertirle en «el nuevo Mozart».

Tal cuestionable ambición, unido a un no menos peligroso carácter ligado al alcoholismo, repercutió directamente en la vida personal, académica y social del joven Beethoven, no solo haciendo de él un niño introvertido y miedoso, sino un mal estudiante demasiado cansado para atender las lecciones de la escuela después de pasar las noches ensayando ante el piano.

En cualquier caso, sin justificar los medios que pulieron su talento, la realidad es que con tan solo siete años, Beethoven ya era capaz de dar recitales de piano que dejaban al público boquiabierto; entre ellos, al mismísimo Christian Gottlob Neefe, que quedó tan impresionado con la habilidad del pequeño Beethoven, que se interesó en guiar, enriquecer y perfeccionar su formación. Así, a los 10 años abandonó la escuela para dedicarse enteramente a la música y a los 16, la nobleza de Bonn le financió un viaje a Viena para aprender de los mejores, entre ellos, del mismísimo Mozart; pero al poco de llegar a la capital de la música, su madre cayó gravemente enferma y tuvo que regresar a Bonn.

(*) Dice la tradición que Beethoven tuvo la oportunidad de tocar el piano en un recital en el que Mozart estaba presente y lo dejó tan fascinado que llegaría a decir: «Este joven hará hablar al mundo».

Tras la muerte de su madre, su padre cayó en una profunda depresión que obligó a Beethoven a hacerse cargo de sus hermanos pequeños tocando la viola y dando clases de piano. Por suerte para él, no tuvo que alargar este tipo de trabajos por mucho tiempo, pues su extraordinario talento cada vez era más conocido y eran varias las personas interesadas en financiar su completa dedicación a la música. Y así pasó más de 10 años en Viena como un músico económicamente independiente hasta que, pasados los 30, empezara a experimentar serios problemas auditivos. Beethoven probó diferentes procedimientos para curar su eminente sordera, pero nada funcionó. Tal fue su impotencia, que valoró el suicidio, pero sabía que aún tenía todavía mucha música que regalar al mundo y siguió componiendo hasta su muerte a los 56 años, dejándonos un legado musical de nueve sinfonías, 32 sonatas, dos misas y una ópera que le consagran como uno de los mejores músicos de todos los tiempos.

LAS OBRAS MÁS CONOCIDAS DE BEETHOVEN

For Elise

Claro de Luna.

9na Sinfonia

DOCUMENTAL SOBRE LA VIDA DE BEETHOVEN

Últimos años en Viena

Beethoven pasó los últimos años de su vida casi totalmente aislado por la sordera, relacionándose solamente con algunos de sus amigos a través de los «cuadernos de conversación», que le sirvieron como medio de comunicación. Su último gran éxito fue la Novena sinfonía, terminada en 1823. En los tres años finales, se dedicó a componer cuartetos de cuerda y la Missa Solemnis. El 13 de abril de ese año conoció a Franz Liszt, que entonces tenía once años, durante un concierto del compositor húngaro y lo felicitó por su interpretación. Años más tarde, Liszt transcribió todas las sinfonías de Beethoven para piano y fue un destacado intérprete de su obra. El estreno de la Novena sinfonía tuvo lugar el 7 de mayo de 1824 y fue un rotundo éxito a pesar de las dificultades técnicas que entrañaba la obra. Este éxito no se tradujo en una ganancia financiera y los problemas económicos continuaron acuciando al compositor, que aunque tenía el dinero que estaba ahorrando, no lo podía utilizar ya que estaba destinado como herencia para su sobrino.7​

La salud del maestro decayó inexorablemente durante su estancia en la casa de su hermano en Gneixendorf, a pesar de los cuidados de su familia. Su hermano Nikolaus Johann recordaba: «Al almuerzo comía únicamente huevos pasados por agua, pero después bebía más vino, y así a menudo padecía diarrea, de modo que se le agrandó cada vez más el vientre, y durante mucho tiempo lo llevó vendado». Tenía edemas en los pies y se quejaba continuamente de sed, dolores de vientre y pérdida de apetito.16​ En esa época, comenzó la composición de la Décima sinfonía.

El 1 de diciembre de 1826, Beethoven y Karl volvieron a Viena. La premura de la decisión determinó que carecieran de un transporte adecuado y solamente pudieron conseguir un viejo carromato descubierto. El viaje resulta catastrófico para una persona en el estado en que se encontraba Beethoven, quien llevaba ropa de verano y se vio obligado a pasar la noche en una taberna de la aldea, donde la habitación no tenía calefacción ni persianas que lo protegieran del frío. Hacia la medianoche sufrió un escalofrío febril y comenzó una tos seca acompañada de sed intensa y fuertes dolores en los costados. Estando así, el maestro bebió grandes cantidades de agua helada que solo agravaron su condición. Sin embargo, logró recuperarse de su crisis gracias a la atención del doctor Wawruch y consiguió llegar a la capital. El 20 de diciembre, se le extrajeron fluidos abdominales. Karl permaneció durante todo el mes a su lado hasta su incorporación, en enero, a su regimiento. El joven se había reconciliado totalmente con su tío tras el lamentable episodio del suicidio:17​ «Mi querido padre: vivo satisfecho y solo me pesa verme separado de ti».

Personalidad

Facsímil del Testamento de Heiligenstadt

La vida personal de Beethoven fue problemática debido a su creciente sordera, que le llevó a plantearse el suicidio, según afirmó en los documentos encontrados en el Testamento de Heiligenstadt. A menudo, Beethoven era irascible y puede que sufriera trastorno bipolar.26​ Sin embargo, tuvo un círculo íntimo de amigos fieles durante toda su vida, quizás atraídos por la fortaleza de su reputada personalidad. Hacia el final de su vida, los amigos de Beethoven compitieron en sus esfuerzos para ayudar al compositor a paliar sus incapacidades físicas.

Paseo de Beethoven en la naturaleza, Julius Schmid

Hay numerosas evidencias del desdén que sentía Beethoven hacia la autoridad y el sistema de clases sociales. Detenía su interpretación al piano si su audiencia comenzaba a hablar entre sí o si dejaban de prestarle total atención. En los eventos sociales, se negaba a interpretar si le invitaban a hacerlo sin previo aviso. Finalmente, y después de muchas confrontaciones, el archiduque Rudolf decretó unas normas básicas de etiqueta en la corte que no afectaban a Beethoven.

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Niccoló Paganini

Niccoló Paganini «El violinista del diablo»

En los conciertos corría, brincaba, retorcía su cuerpo hasta límites insospechados y todo esto mientras tocaba su instrumento al que, a pesar de quedarle solamente una cuerda, lograba arrancarle unos sonidos absolutamente fantásticos. El público, que acudía en masa a todos sus espectáculos, no daba crédito a lo que veía y escuchaba. Los hombres lo vitoreaban y aplaudían, las mujeres se desmayaban entre jadeos y todos parecían quedar extasiados ante su magistral música y su capacidad artística.Posiblemente algunos de ustedes piensen que estoy describiendo algún concierto de rock moderno. Tal vez uno de Mike Jagger en sus buenos tiempos o quizás Jimy Hendrix que prendía fuego a sus guitarras.

Pero no, estoy hablando de un violinista, de hecho, el mejor violinista de la historia: Niccoló Paganini, italiano que destacó por un virtuosismo nunca antes visto.

El mito de Paganini se comenzó a fraguar cuando tenía 5 años. Su madre aseguró haber tenido un sueño en el que se le apareció el demonio y le dijo que su hijo Niccoló sería un violinista famoso. A partir de entonces su padre le obligó a estudiar música durante 10 horas al día.

Rápidamente comenzó a dar muestras de su enorme talento musical y con 6 años dio su primer concierto, a los 9 hizo su primera gira y a los 16 ya era mundialmente famoso. Comenzó a dar conciertos por toda Europa y su fama se elevó hasta límites inimaginables para la época amasando una gran fortuna que dilapidaba en fiestas y juegos de azar. Además, su popularidad como músico sólo era superada por su fama de mujeriego. Decían de él que a pesar de ser “feo y descuidado” ejercía una extraña y poderosa atracción a las mujeres. No en vano tuvo un lío con las dos hermanas del emperador Napoleón Bonaparte, entre otras muchas.

Pero lo más sorprendente de Paganini era, sin duda, su genio musical. Y no sólo por crear más de 200 composiciones musicales sino, sobre todo, por su increíble y peculiar técnica a la hora de tocar el violín.

Su cuerpo alto y desgarbado poseía un flexibilidad especial que le permitía realizar movimientos imposibles para cualquier otro, como cruzar los codos uno por encima de otro mientras tocaba o flexionar lateralmente las articulaciones de sus dedos consiguiendo llegar a notas inalcanzables para la mayoría de los mortales.

Una de sus habilidades más aplaudidas era cuando retiraba tres de las cuatro cuerdas del violín y con esa única cuerda hacía sonar el violín como si fueran varios los que se tocaran. También era capaz de hacer increíbles Pizzicatos (pellizcar las cuerdas) con la mano izquierda, la mano de los trastes. Para que se hagan una idea, aquí tienen un vídeo con algunas de sus técnicas.

Pero esta habilidad tenía un pequeño secreto y no se trataba, según se rumoreaba entonces, de un pacto con el diablo. En realidad se piensa que Paganini sufría del síndrome de Marfan, una enfermedad que afecta al tejido conectivo, lo que le da a quien lo padece largas y flexibles extremidades.

Como su genialidad musical surgió a una edad muy temprana, alcanzó las mieles de éxito muy joven, pero con ese éxito vino una vida plagada por el desorden y los abusos. Paganini, con tan sólo 16 años, llegó a perder tanto dinero que en varias ocasiones llegó a dejar empeñado su violín para poder cubrir sus deudas de juego. Pero al final, terminó librándose del vicio y nunca más se acercó a una mesa de apuestas.

Paganini era capaz de tocar a la espectacular velocidad de doce notas por segundo. Ese es el tiempo que la mayoría de los músicos tardan en leer doce notas. También innovó con sus técnicas de memorización; antes de él, todos los violinistas iban acompañados del programa que debía ser tocado. Paganini, a su vez, acostumbraba simplemente a subirse al escenario con su instrumento, sacudiendo su larga cabellera y poniéndose a tocar. Todo el programa estaba en su memoria.

Con todo ese talento extraordinario, el virtuoso violinista se convirtió en leyenda. Asociada a la increíble velocidad que alcanzaba cuando tocaba, estaba su apariencia cadavérica, que causaba cierto terror en las personas que tenían miedo de asistir a sus presentaciones.  Niccoló medía 1.65 metros de alto, era muy delgado, tanto que su cuerpo y extremidades asemejaban a líneas largas y sinuosas, de cara muy pálida y rasgos marcados, ojos de águila (oscuros y penetrantes), nariz puntiaguda, cabellera larga ondulada que caía sobre sus delgados hombros. No era de extrañar, el hombre vivió toda su vida luchando contra una enfermedad severa que le exigía una dieta rigurosa y muchas horas de sueño. En la época, sin embargo, muchos creían que Paganini había vendido su alma al diablo a cambio de su perfección musical.

En 1840 Paganini cayó muy enfermo, y algunos días antes de su muerte el obispo de Niza acudió a visitarlo, pero Paganini se rehusó a verlo, insistiendo en que no estaba agonizante, que aún le quedaba mucho tiempo más de vida. Pero murió, y no hubo tiempo para que recibiera los sacramentos finales. Debido a esto, la iglesia se rehusó a concederle un entierro en un campo santo. Solo después de cinco años de la muerte de Paganini, su hijo, apelando directamente al Papa, obtuvo un permiso para enterrar el cuerpo del gran violinista en la iglesia del pueblo en las proximidades de Vila Gaiona en Italia.

El diabólico mito de Paganini: Las increíbles teorías para el virtuosismo del violinista

La genial forma en la que tocaba el violín y un físico rayano en la fealdad hicieron que creciese la leyenda en torno a su misteriosa y escuálida figura, incluida la de un trato con el mismísimo demonio.

Durante mucho tiempo, en los salones musicales de media Europa, corrió un rumor que hasta hoy no ha podido ser desmentido. El genovés Niccolo Paganini (1782-1840), considerado por muchos como uno de los mejores violinistas de todos los tiempos (sino el mejor), había vendido su alma al demonio para obtener un extraordinario virtuosismo con este instrumento.

Los rumores sobre el trato con el maligno comenzaron cuando Paganini contaba con sólo cinco años, cuando el diablo supuestamente se le apareció en sueños a su madre, Teresa Bocciardo, asegurándole que, a cambio de su alma, su hijo sería un violinista de fama mundial. Ante tamaña revelación, se cuenta que su padre, Antonio Paganini, un virtuoso con la mandolina y el violín, obligó al pequeño Niccolo a practicar durante más de diez horas diarias. Otra versión, contada por algunos conocidos del músico, por el contrario, aseguraba que el mismo Paganini, ya joven, se había postrado delante del maligno para repetirle el juramento: “Le dijo que su alma era suya a cambio de tocar como un ángel. Se encendió una luz que nos cegó. Paganini se puso de pie y siguió su camino”.

Como sea que fuere, a los 9 años Niccolo Paganini hizo su primera aparición pública, realizando su primera gira por varias ciudades de Lombardía cuatro años más tarde. Sin embargo, desde los 16 años, Paganini comenzó a digerir mal el éxito y a llevar una vida disipada: se dedicó al juego y sus continuas pérdidas le obligaron a vender hasta su propio violín; aunque, afortunadamente para él, al parecer un admirador suyo le regaló el famoso violín Guarnerius (fabricado por Giusseppe Guarnero) con el que asombraría al mundo.

Paganini también estaba obsesionado con las mujeres, hecho que lo llevó en más de una ocasión a meterse en líos de faldas y terminar en la cárcel, pese a su fealdad manifiesta. Francesco Bennati, su médico personal en París, lo describe como “pálido, delgado y de mediana estatura. Aun teniendo 47 años, su delgadez y la falta de dientes le provocaron el hundimiento de la boca y le hicieron la barbilla más prominente, lo cual le daba una apariencia mayor de lo que era. A primera vista, su cabeza era voluminosa, sostenida por un cuello largo y estrecho, mostrando una acentuada desproporción con sus delicadas extremidades». Otras semblanzas lo describen como “estrecho de pecho, con la frente alta, ancha y cuadrada, nariz aguileña, orejas protuberantes, y cabello negro y desgreñado que contrastaba con la palidez cadavérica de su piel”. En resumen, Paganini era un sujeto poco agraciado físicamente que, para mayor inri, siempre vestía de negro, lo cual le daba un aspecto más siniestro o derechamente diabólico.

Mano derecha de Paganini

Obra y muerte

Las obras de Paganini incluyen veinticuatro caprichos para violín solo (1801-1807), seis conciertos y varias sonatas. Además creó numerosas obras en las que involucraba de alguna manera a la guitarra (unas 200 piezas). Su técnica de arco exquisita influyó a músicos como Johannes Brahms, Sergei Rachmaninoff y Franz Liszt, quien, fascinado por su imaginativa técnica, desarrolló un correlato pianístico inspirado en lo que Paganini había hecho con el violín.

La salud de Paganini se fue deteriorando a causa de una tuberculosis diagnosticada en 1819. Después de dejar de dar conciertos en 1834, de sufrir dos fuertes episodios de hemoptisis y de intentar combatir las secuelas de una sífilis que también padecía, falleció en Niza el 27 de mayo de 1840. Tenía 58 años. En su lecho de muerte se negó a recibir los auxilios de un sacerdote, por lo que el obispo de Niza le negó sepultura religiosa a sus restos mortales. Su cadáver fue embalsamado y sólo pudo recibir sepultura muchas décadas más tarde, en 1876, en el cementerio de Parma, lugar donde reposan hasta el día de hoy. La leyenda de artista maldito, genial y diabólico de Niccolo Paganini, por descontado, lo perseguiría incluso después de muerto.

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Primeros instrumentos musicales que existieron

Los instrumentos musicales más primitivos se fabricaron con hueso de buitre

La música ha acompañado al ser humano desde tiempos remotos. Es muy probable que, en sus inicios, la percusión con pies y manos fuera la forma en la que los primeros humanos comenzaran a seguir un ritmo, pero no dejaron huella. Lo que sí sabemos ahora es que los primeros flautistas vivieron en Europa hace unos 43.000 años porque un equipo de arqueólogos europeos han encontrado dos flautas datadas en esta época.

Los investigadores encontraron, en 2009, ambos instrumentos en la cueva Geibenklösterle, en Alemania, un importante yacimiento del Paleolítico, ocupado por los primeros 'Homo sapiens' que colonizaron este continente tras su salida de África.

Son, según publican en la revista 'Journal of Human Evolution', los primeros instrumentos musicales de la Humanidad. Una de las flautas está hecha con marfil de mamut y otra, mucho más delicada, se fabricó con el hueso radio de un buitre leonado.

Flauta realizda con el hueso de un ave. | 'Journal of Human Evolution'Flauta realizda con el hueso de un ave. | 'Journal of Human Evolution'

Aunque en un principio se dijo que habían sido realizadas hace 35.000 años, y así se publicó en 'Nature' en 2009, ahora, gracias a un nuevo método de datación, se ha sabido que son unos 7.000 años más antiguas.

El equipo de investigadores, dirigido por el arqueólogo Tom Higham, de la Universidad de Oxford, ha utilizado un método de datación más sofisticado que el anterior, teniendo en cuenta la edad de los huesos de animales de las mismas capas geológicas, y eso es lo que ha permitido retrasar varios miles de años su ejecución.

"Estos resultados son consistentes con la hipótesis que hicimos hace varios años de que el río Danubio era una ruta muy utilizada en la expansión de los primeros humanos modernos y, por tanto, en esa zona de Europa Central hubo importantes innovaciones tecnológicas hace entre 40.000 y 45.000 años", apunta el coautor Nick Conard, de la Universidad de Tubinga, en un comunicado.

El hecho de que ya entonces existiera la música como una actividad creativa, da idea del desarrollo simbólico y de la cohesión social de aquellos primitivos grupos humanos de cazadores y recolectores.

Por entonces, aún faltaban unos 3.000 años para que el clima en el continente llegara a ser extremadamente frío, por lo que no es difícil imaginárseles en torno a un fuego imitando el canto de los pájaros con sus flautas, ya fuera para entretenerse o con algún sentido religioso.

No lejos vivían los neandertales, que aún no se habían extinguido. Hay quien arguye que, precisamente, el conocimiento de la música fue de las ventajas de los 'sapiens' frente a estos parientes europeos, dado que facilitó la cohesión social.

"Unos miles de años después, las temperaturas bajaron bruscamente y no sabemos qué efectos pudo tener ese cambio en los humanos que vivían entonces y que tuvieron que adaptarse a nuevas circunstancias", se pregunta Higham.

En esta misma cueva, aquellos humanos, de la llamada cultura auriñaciense creó el ejemplo más antiguo conocido de arte que debe representar a una persona, que se ha encontrado en la misma cueva en 2008: una estatua de hace 35.000 años, ha apuntado.

Los primeros instrumentos musicales

Instrumentos de percusión

Los primeros instrumentos musicales han sido de percusión. Desde aquellos golpes de piedra contra piedra, hasta llegar a golpear un trozo de madera hueca pasaron varios siglos de acuerdo a la evolución de la música y la necesidad de ésta para la vida diaria.

Los primeros instrumentos de percusión de elaboración mas compleja provienen de la percusión sobre animales muertos y la resonancia de la caja torácica de estos animales. De esta manera comenzó a utilizarse el cuero estirado, primero sobre los mismos huesos de los restos animales, pero la duración de este instrumento era muy corta debido a la descomposición.

Cuando el hombre descubrió el secado y curtido de pieles enseguida utilizó este arte para construir instrumentos de percusión de mas duración, lo cuál posibilito una contínua mejora de estos instrumentos de los cuales no existen vestigios pues el paso del tiempo terminó por deshacerlos. Sin embargo se piensa que el cuerpo de estos instrumentos era de madera con el cuero tensado.

Así fue el hombre descubriendo algunos principios básicos de la acústica: cuanto mas grande el cuerpo del instrumento (mejor dicho su caja de resonancia), mas grave el sonido; posteriormente utilizó este principio básico en todo lo demás: cuanto mas largo el tubo de un instrumento de viento, mas grave es el sonido que produce; cuanto mas larga una cuerda, mas grave es el sonido que produce y viceversa. Así pudo tener una amplia gama de sonidos percutidos: graves, medios y agudos.

Con esta gama de sonidos percutidos se desarrolló la música como un medio para "dominar la naturaleza y dominar al mundo visible e invisible". Los instrumentos percutidos graves (con una frecuencia baja) espantaban mas a los depredadores que solo golpear una madera hueca, debido a un proceso biológico en donde los sonidos graves (como el rugido de un león) producen una liberación de adrenalina y esto produce temor. Obviamente el hombre prehistórico no utilizaba los instrumentos con un criterio científico sino por el método antiquísimo de prueba-error.

Los sonidos percutidos agudos producen una sensación de inquietud y nerviosismo y los medios una mezcla de ambos, por lo tanto se empezaron a emplear con fines de producir sensaciones y estados de ánimo mucho mejor que antes. La diferente mezcla de frecuencias producía diferentes respuestas en el ánimo y por lo tanto podía emplearse para la guerra, la caza o la ritualidad.

Clasificación basada en el sonido que produce

Una de las primeras y más sencillas clasificaciones que se da respecto a los instrumentos musicales primitivos es aquella que trata de clasificarlos de acuerdo al tipo de sonido que produce y las características del instrumento. En este sentido, la Ciencia estima dentro de esta clasificación la existencia de tres grupos, los cuales se describen a continuación:

·         Percusión: instrumentos que producen sonidos cuando son golpeados, agitados, raspados o entrechocados, originando gran cantidad de sonidos. Los científicos también consideran que este tipo de instrumentos fueron los primeros desarrollados por el hombre primitivo.

·         Aire: por su parte este tipo de instrumento puede ser definido como aquel que produce sonido gracias a la vibración que produce el aire en su interior, generalmente cuando es soplado por su ejecutante. Se cree que los instrumentos primitivos de este tipo más antiguos datan de unos cuarenta y tres mil años de edad.

·         Cuerda: finalmente, los instrumentos de cuerda producen sonidos, a través de las vibraciones que producen las distintas cuerdas que lo conforman, y que pueden ser desde una hasta varias.

Clasificación de acuerdo al material productor de sonido

Por otra parte, algunos investigadores se decantan también por clasificar los instrumentos primitivos, en base al medio con el cual se produce el sonido. En este sentido, los instrumentos musicales desarrollados por el hombre de las cavernas, se clasificarían en los siguientes tipos:

·         Autófonos: este tipo de instrumento se caracteriza por producir los sonidos en base al propio material del que están construidos. Un ejemplo de ello, lo caracteriza perfectamente el batir de las palmas, aunque también lo ejemplifica dos piedras chocadas entre sí, o dos palos. Se cree que los primeros instrumentos primitivos que existieron fueron los autófonos. Así mismo, los especialistas indican que estos en principio no producían sonidos que pudieran diferenciarse a nivel de tonalidad. No obstante con el tiempo fueron evolucionando hasta llegar por ejemplo a los xilófonos, tanto de piedra como de madera.

·         Membranófonos: este tipo de instrumentos producen sonidos a través de los golpes propinados a una membrana, generalmente de piel, la cual es tensada. Entre ellos, se distinguen algunos tambores primitivos encontrados.

·         Cordófonos: son instrumentos que producen el sonido en base al vibrar de sus cuerdas. Se cree que las primeras cuerdas fueron hechas con intestino de algunos animales. No obstante, se consideran que los instrumentos de este tipo pertenecen a civilizaciones mucho más avanzadas en el tiempo.

·         Aerófonos: son aquellos instrumentos cuyo sonido se produce gracias a las vibraciones que producen en su interior las columnas de aire. A este estilo corresponden los instrumentos hallados en Eslovenia (2009) y Alemania (2012) y cuya edad los científicos han calculado que puede encontrarse en cuarenta y tres mil años de antigüedad. Los caracoles presentes en algunas excavaciones, y que presumiblemente fuese usados por estas civilizaciones para producir ruido también son parte de estos instrumentos.

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